Moda

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Desfile LAB no SPFW - Fotos retiradas do site Lillian Pacce

Por Fernanda Moreira

Não é de hoje que a humanidade evolui em relação aos discursos em prol da igualdade. Movimentos como a luta pela equidade racial, o feminismo e os debates sobre gênero começam a se destacar não só nas mídias contemporâneas, como, também, ocupam espaços antes inexistentes nos meios de comunicação mais convencionais. Apesar do que podemos chamar de progresso, em meio a todos esses movimentos que ganharam destaque, com muita luta, ao longo dos anos, um ainda recebe atenção limitada: o combate à gordofobia.

Levando em consideração a força e a responsabilidade da indústria da moda sobre essa temática, seja pela produção em massa de peças e estilos, seja pelo poder de imagem que carrega – por meio de desfiles, ensaios, outdoors etc. –, é fácil enxergar o papel que tal indústria precisa desenvolver nessa luta. Será, porém, que ela preenche bem as lacunas do preconceito?

Em 2016, foi realizado o primeiro desfile com modelos Plus Size no São Paulo Fashion Week (SPFW). A LAB, marca do rapper brasileiro Emicida, que se destaca na luta pela busca de igualdade, foi quem tornou isso possível, com a aparição de três modelos com manequins +56, em parceria com o coletivo de moda “África Plus Size Brasil”.

Desfile LAB no SPFW – Fotos retiradas do site Lillian Pacce

Quando me deparo com uma narrativa real como essa, fico muito esperançosa de que, a cada dia, estejamos mais perto de uma moda plural e sem preconceitos. Mas alguns anos depois, em 2020, uma cena lastimável na luta contra a gordofobia demonstra que só um – SPFW mais inclusivo – não é o suficiente para dizimar o preconceito incorporado nesse mercado.

Dessa vez, a manifestação de ódio, que ainda assombra corpos gordos, data de janeiro de 2020, no Grammy Awards. A modelo Tess Holliday escolheu uma peça assinada pela estilista Lirika Matoshi, para abrilhantar o tapete vermelho dessa grande premiação. Tratava-se de lindo vestido longo, estampado por morangos, que remetia a um estilo bem folk. Ela chega a dizer, em sua conta do Instagram, que nunca se sentiu tão bonita quanto naquele dia. Não demorou muito, contudo, para que Holliday virasse uma grande “piada”. O motivo era, uma vez mais, a manifestação de que corpos gordos não foram feitos para se vestir da forma como gostariam.

Tess Holiday para Lirika Matoshi no Grammy Awards – Jon Kopaloff FilmMagic

Em agosto do mesmo ano, em meio às últimas tendências do Tiktok, a hashtag #strawbaerrydress chegou a mais de 13 milhões de visualizações. Isso porque o mesmo vestido usado por Tess, na premiação de meses atrás, entrou na onda dos corpos padrões e obteve grande alcance positivo nas mídias digitais. Dessa vez, ela se manifestou e deixou uma reflexão: “Adoro como esse vestido me fez entrar para a lista das ‘mais malvestidas’ quando o vesti em janeiro, no Grammy. Mas agora, porque um monte de pessoas magras o está usando no TikTok, todo mundo está”, comenta a modelo.

Esse cenário me fez pensar se a inclusão que a moda plus size propõe, de fato, acontece. Gostaria que esse processo fosse mais real, mas, depois de tantos anos enfrentando manifestações de ódio em ambientes online ou offline, e observando que a contribuição dessa indústria ainda é mínima diante da caminhada que temos pela frente, ainda me pergunto se a aceitação da pluralidade de manequins – desde sempre ridicularizada – é algo que realmente interesse a esse mercado. Porque, aparentemente, além de ridicularizados, são taxados como insuficientes para lançar e/ou sustentar quaisquer tendências e estilos.

Até quando a indústria da moda terceirizará a responsabilidade social e não assumirá seu papel de atender e respeitar todos os corpos, independentemente da condição de cada um? E, sobretudo, até quando compreenderá que esse discurso atemporal precisa e merece ser ouvido e destacado pelas grandes marcas e personalidades do meio, para que a inclusão aconteça, efetivamente, em todos os polos e contextos da sociedade?

 

*Edição: Professor Mauricio Guilherme Silva Jr. e Daniela Reis 

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Por: Profa. Dra. Gabriela Ordones Penna (Professora de jornada acadêmica do curso de moda do Centro Universitário Una)

O mundo recebia no dia 24 de abril a notícia impactante do falecimento do designer de moda Alber Elbaz aos 59 anos, vítima do Covid-19. A alegria contagiante da primavera parisiense e, principalmente, com vacina à vista, se esvai, como um breve sopro morno. O mundo da moda perdia um sorriso discreto e tímido, sempre de gravata borboleta e óculos, um visual que ludibriava a quem duvidava da sua grandeza. Um choque, sem dúvida, mas que nos lembrou ainda mais da vida, no caso, de um dos criativos que mais pôde honrar essa palavra.

Alber nasceu no Marrocos, cursou faculdade de moda em Israel e nos anos 1980, já estava em Nova York.  Em 1996, ele é escalado pela primeira vez para dirigir uma casa importante – Guy Laroche, esta que precisava de sangue novo, brilhantismo jovem para se manter relevante. E Alber era. Apesar de tímido e doce, era afiado em descortinar os desejos das mulheres para quem criava. Reza a lenda, que ele nunca criou para si – fazia questão de colocar esse distanciamento, mas para as mulheres. Alber Elbaz era um apaixonado pela alma feminina. No final dos anos 1990, ele alcançou um posto cobiçado na linha prêt-à-porter de Yves Saint Laurent, convite apoiado pelo braço direito de Saint Laurent, Pierre Bergé. Ficou na Saint Laurent até quando o grupo Gucci comprou a marca e o substituiu por Tom Ford.

Em 2001, começa a sua mais incensada presença no mundo fashion – na Lanvin. Curiosamente, a casa de Alta Costura é a mais antiga em funcionamento e uma das primeiras a ser fundada por uma mulher – Jeanne Lanvin em 1889. O logotipo, inclusive, da marca começa com o desenho de Jeanne e sua filha, que vai do perfume à linha mãe e filha, quando ninguém fazia tal coisa. Coincidência? Difícil, dada a afinidade do designer com o universo feminino. A Maison precisava de injeção de criatividade e, também, acompanhar os novos tempos. Quem era a mulher Lanvin? Estava, certamente, perdida em um ostracismo que parecia irreversível. Alber Elbaz fez críticos, jornalistas, designers e empresários olharem para a maison novamente. Ele explorou o DNA da fundadora Jeanne, que era adepta aos drapeados, à fluidez dos tecidos. A mulher Lanvin mostrava sensualidade sem necessidade se despir em excesso. As transparências, fendas e volumes controlados, uma poesia na passarela. Como nunca, desejamos vestir Lanvin novamente, graças a Alber.

O designer, que já havia encerrado sua era na Lanvin em 2015, anunciava, no início desse ano, a criação de marca própria apoiada pelo grupo Richemont – AZ Factory e já estreava no line-up da Couture, um feito e tanto. A marca que agrega artesanal e industrial, combina com o modo como acreditava que a moda deveria caminhar: entre a simplicidade e o elaborado, entre a tradição e a inovação – especialmente tecnológica. Alber deixou a cena desejando uma moda mais democrática, onde pudesse vestir todas as mulheres, corpos e idades e mais – a reinvenção é um talento para poucos.

 

 

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Direitos na moda, inspiração ou cópia?

Por Italo Charles

Nas últimas décadas o mercado de moda tem obtido grande crescimento e relevância nos setores econômico e de desenvolvimento social. E, devido à evolução tecnológica – que expande os processos produtivos e comerciais – a participação jurídica se faz presente para preservar os direitos que circundam essa grande cadeia.

A partir desses avanços, o setor se deparou com as adversidades que, para quem as produz, provocam mais efeitos danosos que vão além da simples concorrência. Tais práticas como plágio, cópia, falsificação, entre outras, ocasionam a desvalorização dos produtos originais, prejuízos financeiros além do enriquecimento ilícito de quem as pratica.

Os estudos de Fashion Law (Direito da Moda) surgiram nos Estados Unidos em 2006, pela professora Susan Scafidi, que lecionava a disciplina que tratava sobre a falta de proteção legal das criações da indústria da moda na Fordham University (NY). A partir de então, vários países passaram a estudar e aplicar os ensinamentos de Susan, fazendo com que o instituto ganhasse cada vez mais visibilidade.

No Brasil, o Direito da Moda começou a ser disseminado em 2011, despertando interesse de atuação por muitos advogados, que cada vez mais buscam se especializar na área, além de haver apoio da Ordem dos Advogados do Brasil (OAB) e da Associação Brasileira de Advogados (ABA) na implementação de comissões específicas de Direito da Moda por todo o país, contribuindo para a propagação de conhecimentos específicos e de estudos de casos concretos. 

O Direito da Moda foi criado como instituto jurídico que visa prestar assessoria às demandas advindas da indústria da moda em toda sua extensão, seja ela na esfera cível, criminal, tributária, trabalhista, empresarial, entre outras, sempre visando a prevenção ou a solução de conflitos já instaurados.

Propriedade Intelectual

Em meio às práticas jurídicas cabíveis a indústria fashion, a Propriedade Intelectual é vista como fator imprescindível para as criações de moda, seja pelo Direitos Autorais ou pela Propriedade Industrial.

Segundo a Advogada Simone Rocha Men, Graduada pela Faculdade Maringá – CESPAR e Pós Graduada em Direito Civil, Processual Civil e Trabalho pela PUC/PR, a Propriedade Intelectual ampara os direitos através do Direito Autoral e Propriedade Industrial.

“A propriedade intelectual é uma área do Direito que garante recursos para a proteção de invenções e inovações derivadas do intelecto humano.  O sistema da propriedade intelectual promove a proteção de direitos em duas categorias: Direito Autoral e Propriedade Industrial, que se refere a marcas; patentes; desenho industrial e indicação geográfica. 

Dessa forma, na moda é perfeitamente cabível a utilização de todos os recursos da propriedade intelectual, seja ele por meio do direito autoral (proteção da autoria sobre copyright) ou da propriedade industrial (registro de marcas; patentes; desenhos; estampas, etc.). Cada situação demandará uma proteção específica”. 

Vestido Lady Die

No último mês de janeiro os veículos de comunicação mundial repercutiram o caso “Vestido da Lady Di”. A pauta em questão aborda a disputa judicial entre os estilistas David Emanuel e Elizabeth Emanuel sobre os croquis (desenhos de moda) do vestido de casamento e outros modelos criados para a princesa.

A ação em questão visa o impedimento da alienação cometida por Elizabeth acerca dos croquis criados na época em que era casada com David. Dessa forma, David reivindica o direito sobre os desenhos alegando que a ex-parceira os alterou para venda em um leilão.

A advogada Simone Men fez uma avaliação do caso:

“No Direito da Moda tal situação tem amparo na Lei nº 9.610/1998 – Lei de Direitos Autorais.

O direito autoral para ser reconhecido como tal, independe do registro da criação em órgão específico, visto que a sua singularidade e autenticidade conferem a autoria a quem produziu a obra.  Os estilistas David e Elizabeth ficaram conhecidos mundialmente pela criação em conjunto de várias vestimentas usadas pela princesa, inclusive de seu vestido de noiva, a partir do qual os estilistas ganharam ainda mais visibilidade. 

Conforme se extrai da legislação autoral em seu artigo 15, os estilistas possuem co-autoria na criação das peças, e nenhum dos autores podem fazer uso individual da obra criada em conjunto, para quaisquer fins, sem a expressa anuência do outro, em razão das consequências jurídicas que podem ser desencadeadas. 

Cabe ressaltar que o direito autoral é dividido em duas vertentes: direitos morais (ligação pessoal do autor com a obra) e direitos patrimoniais (rentabilidade financeira da obra). Os direitos morais são indisponíveis e podem ser exercidos a qualquer tempo, visto que estão ligados à honra e moral do autor. Já os direitos patrimoniais podem ser negociados por meio de contratos onerosos onde se faz a transferência dos direitos do autor para a exploração daquele bem, remunerando adequadamente àquele que fez a cessão de seus direitos.

No caso concreto dos estilistas, se à época de seu divórcio não foi realizado nenhum acordo em relação ao uso das obras realizadas por eles em co-autoria, poderão agora acordar o melhor destino para os croquis, seja ele a cessão dos direitos de autor de David para Elisabeth, a qual poderia fazer uso exclusivo dos bens, pagando recompensa pecuniária devida à ele advinda da transação, ou até mesmo a destruição dos desenhos, como pretende David, desde que Elisabeth dê seu aval, seja espontaneamente ou em troca de alguma quantia pecuniária. Caso já tenha havido algum acordo sobre o tema no momento do divórcio, poderá ser caracterizada a violação dos direitos autorais por parte de Elisabeth, no momento que expôs as obras em leilão. 

Em casos como este um acordo bem planejado e executado sempre pode proporcionar a melhor solução para os litigantes”, salientou Simone.

Christian Louboutin 

O uso dos solados vermelhos nos sapatos de luxo Christian Louboutin levaram ao mundo inteiro essa característica como uma das principais da marca. Em 2008, o designer registrou sua criação como marca no United States Patent and Trademark Office (USPTO), órgão responsável pelo registro de patentes.

Em 2011, Christian entrou com uma ação contra Yves Saint Laurent alegando que o uso do solado vermelho nas criações de Yves para a temporada de inverno lembram sua marca. O caso repercutiu por alguns anos, afetando também outras marcas, inclusive a brasileira Carmen Steffens, pelo uso do solado vermelho.

Hermès

A grife francesa Hermès, criadora da icônica bolsa Birkin, processou em 2011 a marca brasileira Village 284 que criou um modelo “inspirado” na criação da marca utilizando o nome “I’m the original”. O modelo original foi criado pela Hermès em 1980 e atualmente é um dos mais raros.

A sentença do processo foi a proibição  da marca Village 284 produzir e comercializar produtos referentes ao modelo Birkin, além de pagar indenização por danos materiais e morais advindos da venda dos produtos.

Para além desses casos, há inúmeras outras movimentações judiciais promovidas nas últimas décadas que visam a proteção de direitos das marcas.

 

*A produção da matéria contou com o apoio do Numo (Núcleo de Moda da Fábrica) que é o laborátorio do curso de Moda da Una.

 

**Revisão: Daniela Reis

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O debate sobre sustentabilidade e consumo consciente de moda são fatores essenciais para a construção de uma cadeia produtiva mais justa

Por Italo Charles

Nos últimos anos a globalização e o crescimento exacerbado das mídias publicitárias têm impulsionado transformações em diversos âmbitos e no campo da moda não é diferente. Muito se fala em sustentabilidade e consumo consciente, mas poucas pessoas sabem realmente o significado desses conceitos.

Compreender o que se diverge entre moda sustentável e consumo consciente é o primeiro passo para desmistificar os processos que abraçam uma cadeia produtiva enorme como a da moda.

A indústria mundial de moda é responsável pela promoção de empregos, maior rentabilidade e produção de produtos com custos acessíveis, entretanto, não existem apenas pontos positivos nesse grande meio.

Por trás de tamanha produção estão ocultos os malefícios que o setor carrega. O uso de mão de obra barata e insalubre, insumos químicos usados no processo, descarte de resíduos e poluição do meio ambiente são alguns fatores.

A produção sustentável é pautada pelo processo de fabricação que tem como base o uso de insumos não poluentes ou que causem o mínimo impacto ambiental, uso de fibras orgânicas, reciclagem, reaproveitamento de materiais e a responsabilidade social que está atrelada à condições de trabalho dignas.

Mudanças 

Até o século 18, confeccionar roupas fazia parte de um processo longo ocasionado pela dificuldade de acesso a tecidos e materiais, além da mão de obra para produção, o que tornavam as peças mais caras.

Devido a tais condições as roupas tinham mais qualidade e eram feitas para durar, dessa forma, o consumo, na época, era menor e mais consciente, uma vez que se sabia a origem das peças.

Com a chegada da Revolução Industrial em 1970 e com a criação da máquina de costura, os processos para fabricação começaram a se otimizar e com isso o aumento da produção. Mas, foi em 1990 com os avanços tecnológicos que o termo “fast-fashion” foi criado.

Classificado como o padrão de produção, consumo e descarte acelerado, o fast-fashion ganhou espaço no mercado tanto pela mão de obra barata, facilidade e agilidade na produção quanto no custo de matéria prima.

E, com o tempo, o ramo foi tomando maiores proporções sendo que a cada semana eram lançadas novas tendências que imitavam a alta costura, mas com baixa qualidade, custo e durabilidade.

A partir disso, nos últimos anos, debates sobre sustentabilidade e consumo consciente tiveram mais espaço devido ao volume excessivo produzidos pelas indústrias de fast fashion, questões ambientais e principalmente após o desabamento do Rana Plaza em 2013 – prédio de uma fábrica têxtil em Blangadesh.

Dado o acontecido, surgiu o movimento “quem faz minhas roupas?”, difundido pela Fashion Revolution, organização que luta pela transparência e melhoria na cadeia de moda. As manifestações a respeito da causa suscitaram uma análise sobre os processos e padrões da moda.

Consumo Consciente

Por outro lado, enquanto a moda sustentável, de certa forma, está relacionada aos métodos de produção da indústria têxtil e aos fabricantes, a moda consciente faz com que o consumidor esteja presente e manifeste suas preocupações com os meios de produção e com os impactos ambientais.

Consumir moda conscientemente não é apenas usar peças de origem sustentável ou eco-friendly, para além disso, é ter o autoconhecimento e entender os motivos pelos quais nos leva a adquirir determinado produto.

Para se tornar um consumidor consciente é necessário observar como tem sido seu comportamento nos últimos tempos. Abrir o guarda-roupas é o primeiro passo a ser tomado, só assim, será possível identificar o que realmente é usado e o que não é.

Entender que a peça tem um ciclo e analisar a qualidade de insumos, de trabalho dos prestadores envolvidos e principalmente a forma como será usado e descartado a peça é parte principal do consumo consciente.

Ser um consumidor consciente é avaliar que  “velhos hábitos podem ser melhores”.

 

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O Papo com a Fábrica de hoje vai mostrar a evolução da moda no universo da aviação. A convidada de hoje, Leticia Dias, e ela vai mostrar uniformes de tripulações desenvolvidos por grandes estilistas e muito mais. O papo é comandado pela jornaliista Dani Reis.

A Letícia é líder do Numo (Núcleo de Moda) e esse é o último vídeo da nossa série em comemoração ao mês da aviação.

Para acessar o conteúdo completo acesse o link.

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Conheça o laboratório de moda do Centro Universitário Una

Por: Italo Charles

Moda é muito mais que vestir, é sentir, renovar, moda é criar. A moda transforma realidades, muda conceitos e otimiza processos. Todos esses atributos fazem parte do cotidiano de quem trabalha no setor. Hoje, apresentamos a você o Numo, Núcleo de Moda do Centro Universitário Una.

Fundado no ano de 2004, o curso de Moda abria espaço para uma nova realidade ao cenário ‘fashion’ em Belo Horizonte. Junto, surgia os laboratórios de Corte e Costura, Têxtil e o Studio de Fotografia para realização das atividades práticas

Atualmente, a equipe responsável pelo laboratório é composta pela líder Letícia Dias, pelas técnicas Andreza Ramos, Sheila Fonseca e pela estagiária Alda Viana. A estrutura do núcleo compõem os ambientes de Corte e Costura, Têxtil, Multiuso (utilizado para moulage e acessórios) e o estúdio de Fotografia, usado para editoriais de moda e fotografia de acessórios. Os espaços são planejados e organizados para os alunos desenvolverem as atividades de sala de aula, atividades extracurriculares e para realização das Unidades Curriculares (Uc’s).

“Temos diversos maquinários e materiais, além de uma equipe disponível integralmente para apoiar e auxiliar os docentes no desenvolvimento das atividades e projetos. O Laboratório de Corte e Costura é o mais utilizado pelos alunos nos intervalos das aulas e nos horários vagos e se tornou um espaço colaborativo, de trocas de ideias, local de encontros para desenvolver projetos, ampliar network, fazer parcerias e ainda bater um papo saudável e construtivo em um ambiente cheio de arte e criatividade”, comenta Letícia Dias.

O lab tem como missão gerar experiência aos alunos, conectá-los com o mercado, além de apoiar a coordenação do curso, o corpo docente e o ecossistema Ânima nas demandas relacionadas ao Curso de Moda. “Sempre tentamos trazer o melhor para os alunos, oferecemos cursos, oficinas, palestras com grandes nomes da Moda, ex alunos bem posicionados no mercado como inspiração e parcerias com eventos externos”, relata Letícia.

Através de parcerias e projetos o Numo estabelece um vínculo entre os alunos e o mercado, de tal forma, fomenta o ambiente acadêmico e eleva a produção dos estudantes. “A conexão com o mercado a partir das parcerias externas, oferece a oportunidade do aluno se apresentar, mostrar seu potencial às empresas, pessoas influentes na Moda, de descobrir e desenvolver habilidades, entender melhor a área profissional, construir seu network e agregar experiência ao currículo”, salienta a Líder.

Projetos 

Entre o final de 2019 e o início de 2020 aconteceu no lab o recrutamento de alunos para atuação no backstage do Minas Trend, além disso, ocorreu a produção de figurino para o bloco Então Brilha e a confecção de looks sustentáveis para o desfile do Mood (Festival de Moda de BH produzido pela Prefeitura).

Também foi disponibilizado espaços para realização de oficinas do FeedDog Brasil com vagas exclusivas para alunos, visita a fábrica da Cedro Textil, uma das principais empresas têxteis do País, parceria com o 1º coworking de Moda de MG – Co.crie – com grandes descontos para nossos alunos e ex-alunos do curso de Moda utilizarem o espaço.

Já neste período de retorno às aulas, o lab tem oferecido oficinas Extensão, tais como: E agora, para onde vou? Conhecendo as áreas de atuação na Moda, ministrado por Letícia Dias (líder do Numo) e Handmaid:  Bordados em pedraria – Teoria e Prática, com Sheila Soares.

Por se tratar de um período de pandemia, no qual o uso das máscaras para proteção são obrigatórios, e pensando no retorno das atividades, suscitou no Numo o desenvolvimento do projeto “Máscaras de proteção Ânima”. Além de proteger e colaborar para a  proteção e preservação da saúde de todos, o projeto colabora também com a cadeia produtiva do setor da Moda, que adaptou sua produção para confeccionar máscaras de proteção. 

As máscaras serão distribuídas entre os mais de 150 mil estudantes, educadores e prestadores de serviço que fazem parte de diversas Instituições do Grupo Ânima, presentes em vários estados do Brasil, colaborando para proteção e preservação da saúde de todos.

“Sabe-se que neste momento de pandemia, a indústria da moda passa por reduções significativas em sua produção, o que coloca em risco a garantia do trabalho aos trabalhadores formais e autônomos que dependem exclusivamente da confecção de vestuários. Atualmente, nosso desafio está sendo desenvolver um modelo de máscaras inclusivas para pessoas com deficiência auditiva que não embace”, afirma Letícia.

Além dos projetos e oficinas de extensão e o projeto Máscaras de proteção Ânima, o Numo produz o Una Trendsetters, desfile tradicional que acontece todo final de semestre letivo. O evento que celebra a formatura dos estudantes, teve a 17ª edição no CentoeQuatro (no final de 2019), e já passou por grandes espaços de BH, como: Mineirão, Iate Tenis Clube, Ilustríssimo.

Depoimentos

“Quando entrei para trabalhar no Numo, eu estudava Moda e estava no último período da faculdade, vi uma oportunidade enorme de crescer, de aprender e de me ingressar no mercado de trabalho através do laboratório. Hoje, depois de 2 anos trabalhando como técnica no Numo, me surpreendi com todas as oportunidades que tive, foi muito mais do que esperava, pude compartilhar o meu conhecimento e aprender muito mais, tive experiências em eventos, cursos, oficinas que me proporcionaram  desenvolvimento pessoal e profissional, conheci pessoas maravilhosas e fiz amigos incríveis” –  Andreza Ramos – (Técnica do Numo).

“Acredito que a nossa relação com o aluno seja mais próxima por termos um espaço físico onde eles podem ir, fazer trabalhos, conhecer pessoas. Temos sempre um contato bem direto com eles e estamos sempre procurando melhorar as formas de trazer coisas novas para dentro do curso e para os alunos.”-  Alda Viana  (Estagiária do Numo).

“Como ex aluna, foi no Numo que coloquei em prática muitas teorias aprendidas em sala de aula, criei minha primeira bolsa e minha primeira peça de roupa. Alguns dos momentos mais divertidos da faculdade aconteceram lá, e sempre que o estresse batia, era para lá que ia tirar uns minutos para dar uma aliviada.” – Sheila Fonseca  (Técnica do Numo).

Com a palavra, a líder

“O contato constante para com o aluno e os próprios alunos entre si  fora da sala de aula, em um ambiente disruptivo, criativo e sem rótulos, faz com que o resultado não seja menos que produtivo e engrandecedor para todos.” – Letícia Dias

Serviços extras

O Numo fomenta a conexão entre o aluno e o mercado a partir de oficinas, palestras, dicas, participação em eventos, recrutamento de alunos para realizar projetos externos relacionados a área, como por exemplo: alunos para trabalhar no backstage dos desfiles de um dos maiores salões de negócios de Moda da América Latina – MINASTREND – produzido pela Fiemg, que agora é parceira da Una.

Além de produzir conteúdos e vídeos diariamente para as redes sociais com temas sugeridos pelos próprios alunos.

A monitoria online como apoio aos alunos para realização das atividades solicitadas em sala de aula.

Para acompanhar os conteúdos e trabalhos ofertados siga o Instagram.

 

*A matéria foi produzida sob a supervisão da jornalista Daniela Reis