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Cultura

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A praça da Liberdade e toda a região centro-sul de Belo Horizonte, em função da concentração de museus, teatros, cinemas, agências de publicidade, redações de jornalismo, startups, é um dos maiores expoentes da economia criativa em Minas Gerais. Foto: Italo Charles.

O setor da economia criativa é o que mais cresce em Minas Gerais; as iniciativas público e privada ajudam a consolidar projetos das diversas vertentes da indústria criativa no estado 

Por Bianca Morais e Marcelo Duarte*

Minas Gerais é reconhecido como estado com economia voltada, predominantemente, para mineração e agropecuária. Porém, nos últimos anos, um novo modelo econômico vem se impondo. Conjunto de negócios baseados no capital intelectual, cultural e na criatividade que gera valor econômico e responsável por movimentar os setores da indústria criativa, a economia criativa ganha cada vez mais espaço.

A exemplo disso, de acordo com dados fornecidos pela Secretaria Municipal de Desenvolvimento Econômico de Belo Horizonte, Minas Gerais figura na segunda posição na geração de empregos da indústria criativa, com mais de 457 mil postos de trabalho, o que equivale a 9,84% das vagas formais do setor em todo o Brasil.

No total, o estado abriga mais de 63 mil empresas, que correspondem a 12% das empresas criativas no país. O setor gera R$ 788 milhões de renda mensalmente, apenas em Minas Gerais.

Ainda segundo o órgão, no cenário nacional, cerca de 4,6 milhões pessoas trabalham diretamente com a economia criativa, gerando renda mensal de mais de R$ 10 bilhões. São mais de meio milhão de empresas, das quais 98% são micro e pequenas empresas.

Segmentos da economia criativa 

A economia criativa é dividida em grupos e segmentos. São eles: Criações Funcionais, com a arquitetura; design; moda; móveis; publicidade; cultura, com atividades artísticas, gastronomia e patrimônio cultural; mídia, com audiovisual, edição/editorial e música; e tecnologia e inovação, com conhecimento e software.

Um dos ramos que vem ganhando espaço dentro da economia criativa em Minas Gerais é inovação e tecnologia. A economia criativa conquista espaço cada vez maior no Estado, fazendo com que ele se desenvolva nessa área, para diversificar sua economia e inserir o estado em um eixo de comércios e serviços criativos, para além das atividades que são já tradicionais.

Belo Horizonte possui mais de 104 mil empregos criados pela economia criativa, sendo o maior polo criativo de Minas Gerais (22,7% dos empregos do Estado).

Nos quatro grupos da economia criativa, BH é o município com maior número de empregos nas atividades criativas do Estado, com destaque para arquitetura, atividades artísticas, conhecimento, edição/editorial, música, publicidade e software.

É o terceiro maior polo criativo do Brasil (concentra 2,26% dos empregos nas atividades criativas).  Mais de 21% das empresas de BH desenvolvem atividades relacionadas à economia criativa, sendo 53,7% microempreendedores individuais.

A arquitetura é, do grupo de criações funcionais, a principal do estado. É o maior polo de Minas Gerais e o 3° do Brasil. Existem 2 mil estabelecimentos ativos e se concentram principalmente na região Centro-Sul.

Outra área muito reconhecida é a de tecnologia e inovação. É o segundo grupo mais representativo na economia criativa, ficando atrás apenas da cultura. Detém 31,8% dos profissionais criativos do município, mais de 17 mil. Seus dois segmentos, conhecimento e software, também se destacam como os melhores do estado.

Em 2017, as atividades criativas geraram em Belo Horizonte cerca de R$250 milhões em renda mensal. Em Minas Gerais, outra área que também se destaca é a gastronomia. Com 21,39 mil profissionais em Belo Horizonte, (92,4% dos profissionais de Cultural da capital), é o maior polo de Minas Gerais e o terceiro maior do Brasil (em termos de número de profissionais). Concentra 23,3% dos profissionais de gastronomia de Minas Gerais e 2,4% dos profissionais de gastronomia do Brasil.

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Interior

A Economia Criativa não está concentrada apenas na capital, Juíz de Fora, Uberlândia, Contagem e Nova Serrana estão entre os os cinco municípios mineiros que concentram a maior quantidade de empregos da economia criativa. Um exemplo disso vem do segmento de cultura, atividades artísticas, em que o maior polo se concentra na cidade de Santo Antônio do Monte,

Quebrando com formatos tradicionais de trabalho e diversificando a economia, Minas é visto, ainda, como um estado muito tradicional. De fato é, a cultura aqui ainda é conservadora, mas o setor criativo, e seus múltiplos talentos, têm tido um papel importante para romper com esses conservadorismos.

As perspectivas para a área são muito promissoras, há um tempo, tinha-se muito a ideia de que, para um projeto ir para frente, era preciso mudar para São Paulo ou Rio de Janeiro. Hoje, há uma valorização do local e a percepção de que temos potencial para fazer a diferença aqui e agora, de mudar o aqui, e não mudar daqui. A geolocalização do estado favorece: Minas tem o maior número de startups e iniciativas, a perspectiva é crescer e desenvolver ainda mais.

Áreas crescentes da economia

A partir do mapeamento das atividades que englobam a Economia Criativa, munido de dados e indicadores estatísticos, é possível se ter a noção dos resultados das ações desenvolvidas por determinados elos da cadeia criativa da cultura. Detecta-se que a quantidade de ações nas regionais centro-sul e leste, da capital mineira, é infinitamente superior às regionais como Barreiro, Venda Nova e Norte.

No estado de Minas Gerais, de acordo com o balanço lançado pela P7 Criativo, o audiovisual se desenvolveu muito na região da Zona da Mata mineira. Com os apoios recentes que foram dados, a região teve um conjunto expressivo de produções audiovisuais, que ativou muito a economia do lugar. Em Belo Horizonte, a produção de quadrinhos vira produções de cinema de animação.

Para Leonardo Guerra, diretor da P7 Criativo, uma das áreas que podem mais ser desenvolvidas na economia criativa é a área da moda, por conta da sua diversidade com que é trabalhada no estado. “Estamos tentando focar um conjunto de ações para fomentar esses grandes setores como o mercado de moda, que envolve uma cadeia produtiva extensa, onde tem a confecção, a indústria têxtil, a área de calçados, joias, couros e bijuterias, e a quantidade enormes de eventos de atividades em torno. Há uma carência de se criar valor agregado, que a longo tempo se perdeu a formação de profissionais que atuem em uma geração maior de valor, com produtos mais elaborados, públicos mais diversificados”.

Minas Gerais possui ainda, a única aceleradora de jogos digitais da América Latina – Playbor -, que está sempre desenvolvendo programas para estúdios iniciantes e funcionando como uma ponte entre academia, governo e indústria. Portanto, os jogos hoje são ferramentas importantíssimas que, com um objetivo estratégico bem definido, pode servir como um grande aliado para diversas áreas da economia criativa. Minas Gerais é referência internacional quando falamos sobre o ecossistema de startups e economia criativa. Temos atualmente alguns dos principais e melhores avaliados cursos de jogos digitais do Brasil, além de jogos de sucesso internacional, como Dandara e Mr Square.

O primeiro passo para a organização e amadurecimento do mercado mineiro foi a criação da GAMinG – associação mineira de jogos -, ao final de 2016, a qual tem como principais objetivos a organização das ações e contatos com o ecossistema mineiro e a busca de oportunidades de negócios para os estúdios.

Para João Guilherme Paiva – Co-fundador na Playbor e Diretor de negócios na GAMinG Jogos lúdicos, de treinamento e soluções gamificadas, as iniciativas têm se mostrado eficazes no aumento do engajamento de alunos, profissionais ou qualquer pessoa interessada, tornando o processo de aprendizado divertido e aumentado os resultados.

“Games, sendo um desses setores, tem uma peculiaridade em relação aos demais que é a horizontalidade de mercado, ou seja, jogos vão além do entretenimento e podem fazer parte de diversas outras categorias, como: jogos de advertising (advergames), jogos lúdicos educacionais, jogos sociais, soluções gamificadas e simuladores”, argumenta Paiva.

Cada vez mais, grandes empresas e instituições de caráter conservadores têm buscado jogos digitais e ou analógicos como ferramentas para a inovação e adaptação ao mundo moderno, principalmente quando querem atingir o público jovem.

“Um bom exemplo [do uso dos jogos digitais no mundo corporativo] é o case do Ministério da Transparência e da Corregedoria Geral da União, que nos procuraram para executar uma programa de aceleração que pudesse buscar formas e gerar soluções gamificadas para abordar temas como combate a corrupção, ética e cidadania. Na cultura, temos a Diretoria de Fomento e Economia da Cultura, que visa dar sequência às questões relacionadas à economia”, afirma Paiva.

P7 Criativo

O P7 criativo é uma associação público privada sem fins lucrativos, com o objetivo de se transformar numa agência de desenvolvimento da economia criativa no estado de Minas Gerais. Até então, a primeira iniciativa que existe no Brasil.

O objetivo da empresa é melhorar a comunicação e fomentação da economia criativa em Minas Gerais, podendo propor ações de desenvolvimento para áreas antes não contempladas.

O P7 está instalado na Avenida Afonso Pena 4000. Futuramente, será instalado no prédio icônico do antigo Banco Mineiro da produção na Praça Sete, que está sendo restaurado. Os 25 andares vão abrigar várias empresas, que são de pequeno porte, cerca de 300 posições de coworking, com o objetivo de fomentar setores da economia criativa.

“Há expectativa para economia criativa e para essa agência fomentar setores e alavancar as vendas, abrangendo não só o estado”, pontua o diretor Presidente da P7 Criativo, Leonardo Guerra.

O setor cultural é fundamental para economia criativa no estado, gerando aproximadamente 5 mil vagas de emprego. “Sem dúvida alguma, o setor cultural – incluindo a gastronomia – é de fundamental desenvolvimento para o município. Hoje, temos mais de 30 festivais consolidados no município, além de outros 180 que ocorrem esporadicamente. Os projetos financiados pela Lei Municipal de Incentivo à Cultura geram aproximadamente 5 mil empregos na capital, além de ampla movimentação”, revela Guerra.

O presidente da P7 Criativo ainda destaca o turismo mineiro e belo-horizontino como expoente da economia que move a cultura e a cadeia criativa local. “Creio que o potencial de turismo cultural do município só tenda a ser mais desenvolvido ainda, ampliando o conceito de serviços e comércio no município. O Carnaval é um grande exemplo”, sustenta.

Na Secretaria de Cultura estadual, pela primeira vez, Minas Gerais tem uma diretoria que contempla a economia da cultura, assunto antes tratado de maneira não sequencial. A Prefeitura de Belo Horizonte (PBH) acompanhou a espontaneidade do Carnaval, fortalecendo-o institucionalmente, gerando condições para que a festa crescesse de maneira organizada e segura.

Além disso, a Lei Municipal de Incentivo à Cultura, por exemplo, também contemplou, no último ano, alguns projetos relacionados à folia, ou seja, além das ações da Belotur, a cultura também visa atuar de maneira transversal e fortalecer o Carnaval.

Uma dos maiores desafios que a Economia Criativa enfrenta é o associativismo em tempos de problemas de geração de emprego no século XXI. “Olha, a economia tem vários desafios. Um deles é o associativismo, de  pessoas que atuam nesse setor, em vários segmentos com baixos níveis de associação e até os que têm o nível maior existe uma dificuldade que a central de fragmentação de ações. O que se pretende com isso é promover e entender essas dificuldades e atuar no sentido de atenuar isso e fortalecer esses segmentos, seja estimulando o associativismo criando canais de comunicação com o governo ou até consolidando ações que estão fragmentados para alguns”, observa.

Savassi Criativa 

A Savassi é um dos bairros mais conhecidos da capital mineira e abriga bares, lojas, baladas, empresas, espaços culturais. Dos treze segmentos dos grupos da economia criativa, dez se encontram na região da Savassi.

A Savassi Criativa é um movimento de iniciativa cidadã que atua para o desenvolvimento da qualidade de vida do bairro levando em consideração sua importância história e cultural, seu ecossistema criativo e sua população diversa.

Segundo Natalie Oliffson, vice presidente do projeto, a savassi é por vocação “o distrito criativo” de Belo Horizonte. Um verdadeiro hub onde se encontram empresas e profissionais de todos os campos da Economia Criativa.

Para a consultora em marketing, a economia criativa é flexível e inclui iniciativas que vão além da área cultural. “No Brasil, o conceito de Economia Criativa está sendo assimilado por governos e mercados, e pessoalmente acredito que quando compreendermos nossas forças nestas áreas poderemos dar um salto em desenvolvimento”, acredita Natalie.

A Economia Criativa e o Projeto Savassi Criativa se relacionam seguindo dois preceitos como ferramentas: O FIB (Felicidade Interna Bruta) como filosofia e a Economia Criativa. Na visão de Natalie Oliffson “A Savassi é uma das regiões da cidade onde a Economia Criativa já está presente, sendo uma vocação natural e um posicionamento.” Por isso, o movimento já se articula junto aos órgãos municipais e estaduais para promover o reconhecimento da Savassi como um ‘Distrito Criativo’ a fim de que possam se desenvolver políticas públicas neste sentido.

Em tempos de desemprego em curva ascendente, a economia criativa aparece como uma alternativa para diminuir esses números. O estado de Minas Gerais vem avançando muito nessa área e desenvolvendo muitos estudos sobre o assunto. Atenta ao crescimento da economia criativa, a PBH vem investindo muito no setor, os dados utilizados para desenvolvimento dessa notícia foi cedido por eles com informações que levantam a algum tempo, mostrando dessa forma como tem sido dada uma atenção especial.

Em 2018, foi criado o Horizonte Criativo, um projeto estratégico intersetorial da Prefeitura de Belo Horizonte com o objetivo de oferecer o ambiente adequado para que as atividades criativas possam prosperar em Belo Horizonte. Exemplos como a Semana de Moda de Belo Horizonte, o programa de incentivo fiscal para empresas de base tecnológicas (Proemp), a candidatura como cidade criativa da Unesco (em gastronomia), o programa de incentivo ao audiovisual (BH nas Telas), reforçam a ideia do crescimento.

*(Os estagiários escreveram a reportagem sob supervisão do jornalista Felipe Bueno).

 

 

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Alunos formandos do curso de moda da Una apresentam-se ao mercado com coleções criativas. Foto: Tiago Torres.

Evento já recorrente no calendário da moda na capital mineira, o UnaTrendsetters apresentará, em sua 16ª edição, na próxima terça-feira, dia 9 de julho, os novos talentos da moda ao mercado

Por Moisés Martins*

As tendências para o inverno 2020 serão apresentadas pelos alunos concluintes do curso de moda do Centro Universitário Una na próxima terça-feira, dia 9 de julho, às 19h30, no evento UnaTrendsetters, que ocorrerá no salão panorâmico do Estádio Governador Magalhães Pinto, o Mineirão.

A 16ª edição do evento foi pensada a partir do tema “Experiências Estéticas” e promete surpreender, trazer novas sensações, recriar e deslocar o público do seu cotidiano.

“Serão, ao todo, 23 desfiles, que apresentam propostas completamente diferentes, de moda praia a acessórios barrocos, com modelagem para todo o tipo de cliente do mercado mineiro. Estamos antecipando as coleções do inverno de 2020”, ressalta o diretor criativo do UnaTrendsetters, Aldo Clécius.

O propósito primordial do desfile é apresentar os novos talentos da moda ao mercado. O curso de moda do Centro Universitário Una, coroado com 5, nota máxima pelo Ministério da Educação e Cultura (MEC), aproveita também para estimular, nos alunos, a veia do empreendedorismo. Eles são incentivados, desde as primeiras aulas, a pensar a moda como modelo de negócio e inovação.

A coordenadora do curso de moda, Renata Canabrava, ressalta que esse é o momento de olhar para todo o percurso formativo do curso e de avaliar os resultados, que são materializados nos produtos desfilados.

“O UnaTrendsetters representa o encerramento de um ciclo acadêmico para os egressos do curso de Moda da Una, ao mesmo tempo em que inaugura a trajetória profissional dos alunos”, comenta Renata.

Peça da coleção “De — Fluências s.f. /ato ou efeito de passar, decorrer, discurso, sucessão”, da aluna e estilista de moda Anna Vitória Vieira. (Foto: Tiago Torres)

Vitrine

As 23 coleções apresentadas em desfiles levam às passarelas sonhos, desejos, histórias e inovação, que se entrelaçam a fim de tornar cada coleção única e excepcional.

Uma das coleções apresentadas para o inverno 2020 será “De — Fluências s.f. /ato ou efeito de passar, decorrer, discurso, sucessão”, da aluna e estilista de moda Anna Vitória Vieira. As peças criadas têm como inspiração a ligação das obras do estilo Petit Genre (Pintura de gênero) brasileiro com suas raízes. A imagens, quando interligadas, dialogam uma estética similar.

A coleção homenageia a cultura caipira, o plantio doméstico e cenas do ofício. A coleção apresentada no desfile integra a Mevza, marca criada por Anna Vitória, que traz a força do nosso interior para o exterior, e mostra, por meio desta a beleza, a riqueza dos detalhes da cultura brasileira.

Idealizada em 2018, a Mevza surgiu do desejo de mãe e filha em dar concretude a uma moda que correspondesse aos anseios de uma mulher contemporânea, que busca comunicar, no vestuário, o gosto pelo design popular, as artes e o seu vínculo para estética representativa.

A formanda revela que participar do UnaTrendsetters sempre foi um sonho para ela, desde o início da faculdade, quando passou a esforçar-se a cada semestre para que evoluísse como profissional e estilista.

Peça da coleção “De — Fluências s.f. /ato ou efeito de passar, decorrer, discurso, sucessão”, da aluna e estilista de moda Anna Vitória Vieira. (Foto: Tiago Torres)

“Estar no UnaTrendsetters é o resultado de todo esforço e aprendizado que tive no decorrer da faculdade. Estou contando os dias para que esse sonho se realize, e extremamente ansiosa para assistir na passarela toda a materialização das minhas raízes e história. Em seguida, espero poder ter a avaliação do público a respeito da Mevza e da coleção ‘De — Fluências’”, confessa a estilista.

O estilista Filipe Mitrioni desenvolveu uma coleção inspirada na cultura Queer. (Foto: Rico Sosa)

Os alunos são livres para criar suas próprias coleções e marcas. O evento tem trazido, em todas suas edições, coleções com temas atuais e de grande relevância midiática. Na última edição, o então formando Carlos Henrique dos Santos desenvolveu trabalho totalmente inspirado nos negros, favelas e no Museu Muquifu, de Belo Horizonte.

O caráter social-político-cultural toma conta da passarela mais uma vez. Na próxima terça-feira (9), o aluno Filipe Mitrioni apresentará trabalho inspirado na Teoria Queer (teoria que rompe com a ideia de que os papéis sexuais são determinados biologicamente e que afirma que a orientação sexual e identidade de gênero são resultados de uma construção social). Apaixonado pelo tema, Filipe trata sobre diversidade de gênero, o estranho, sobre corpos trans, suas mutações e tudo que não é padrão para a sociedade.

“Tenho um DNA dramático, e bastante criativo, com isso procuro me inspirar em temas que fazem parte do meu universo e que também despertam o interesse das pessoas. A partir disso, surgiu a inspiração para a coleção ‘Sweet but psycho’”, explica o formando. Entre os modelos que irão desfilar com as peças do jovem estilista, uma é transexual, e outro, gay.

Reality show

Durante o evento, um dos desfiles vai mostrar o resultado do concurso Parceria com o mercado — a criação de uma linha de uniformes para o LM Studio, salão de beleza da capital mineira. A ideia do concurso, que consistia na criação de uniformes para os profissionais do salão LM Studio, foi proporcionar uma experiência para futuros designers de moda, aproximando-os do mercado de beleza, a partir da criação.

O concurso, no formato de reality show, foi realizado em três etapas: a primeira foi a apresentação do projeto, do moodboard conceitual e, logo depois, apresentação final dos croquis.

A gerente de marketing do Salão LM, Paula Moreira, comemora a parceria. “O projeto veio em um momento muito legal, celebrando os 40 anos do salão LM, estou super confiante, acredito que a Una não foi escolhida por acaso, a gente confia muito nos trabalhos dos alunos, estou com grandes expectativas”, entusiasma-se.

O grupo vencedor, composto pelos alunos do curso de moda Una, Pedro Menegasse, Letícia Dias e Norberto Resende, apresentou trabalho que mescla conforto sem perder de vistas a inovação e originalidade.

“Foi muito incrível trabalhar com ideias distintas, a fim de criar um produto assertivo. Durante o processo de criação da coleção, priorizamos o conforto e as características visuais do salão, trabalhamos muito a ideia principal que era a produção de um uniforme, mas com uma pegada fashion respeitando as necessidades de cada setor, e principalmente dando uma cara nova para os profissionais do salão”, afirma o aluno de moda Norberto Resende, integrante do grupo vitorioso.

A multidisciplinaridade do evento

Para além do estágio em eventos de moda, o UnaTrendsseters se consolidou com mais de 40 estagiários de cursos diversos como arquitetura, publicidade, gastronomia, moda, estética, relações públicas, design gráfico, cinema e jornalismo.

O concurso Parceria com o mercado — a criação de uma linha de uniformes para o LM Studio foi documentado por três alunos do curso de jornalismo do Centro Universitário Una, Marcelo Duarte, Italo Charles e Moisés Martins, que acompanharam de perto todas as etapas da competição. O vídeo que mostra a produção e todas as etapas do concurso será apresentado na 16ª edição do Una Trendsetters.

Para o aluno do sexto período de jornalismo da Una, Marcelo Duarte, participar da cobertura do evento de moda foi um grande desafio.

“Nunca tive um contato tão grande com todas as etapas de criação da moda. Trabalhar no reality me fez ter experiências novas nunca obtidas durante o curso de jornalismo, foi um aprendizado enorme”, afirma Duarte.

*(O estagiário escreveu a reportagem sob supervisão do jornalista Felipe Bueno). 

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Filme Chuva É Cantoria na Aldeia dos Mortos. Foto: Divulgação.

Entrevista com Renée Nader Messora e João Salaviza, diretores do longa-metragem “Chuva é cantoria na aldeia dos mortos”

Por Iakima Delamare*

Sobre cinema na aldeia

Em cartaz em Belo Horizonte, no cinema Belas Artes, na sessão das 16 horas, o longa-metragem dirigido por João Salaviza e Renée Nader Messora, “Chuva É Cantoria na Aldeia dos Mortos”, mergulha na ancestralidade e fala da relação dos povos tradicionais com a morte e o luto a partir do contato com uma aldeia indígena localizada em Pedra Branca, interior do Brasil.

RENÉE: Meu trabalho na aldeia Pedra Branca começou com uma experiência muito parecida ao VNA. Primeiro eu fui pra lá fazer um documentário sobre essa liderança Krahô, o Pohi, que já faleceu. Fizeram pra ele uma grande Festa de Fim de Luto (Pàrcahàc) que é a festa que a gente vê no filme. Foi o primeiro contato que eu tive e quando eu voltei para São Paulo eu só sabia que eu queria voltar pra lá. E eu tinha acabado de conhecer a experiência do VNA, na verdade. Eu venho do cinema, eu era assistente de direção, fazia publicidade e não tinha nada a ver com este universo indígena.

Então eu escrevi um projeto e fui lá fazer uma oficina com várias aldeias Krahô e a Pedra Branca era uma dessas aldeias. Depois eu voltei à convite da própria aldeia para desenvolver outras oficinas até que no fim eu escrevi um projeto grande, passando um ano na aldeia porque aí acabou se formando um grupo de jovens realizadores, cinegrafistas. A maior preocupação deles era o registro etnográfico, desse saber que de alguma forma podia estar se perdendo.

Só quando eu voltei para este projeto mais longo de um ano a gente começou a trabalhar outras coisas e vieram as ideias de ficção. O espectro de cinema se abriu. Eles começaram a perceber também outras formas de usar aquela ferramenta. Eles fizeram um filme que a gente descobriu que acabou circulando entre várias terras indígenas, que era um filme que chamava Tudo Por Um Litro. Eles começaram a entender um pouco mais esses jogos da ficção e como podiam usar esta ferramenta e já em 2015 a gente já tava começando a preparar o Chuva a energia tava quase chegando na aldeia e a gente começou a filmar.

Acho que todas estas experiências foram criando esse terreno sobre o qual a gente conseguiu construir a narrativa do Chuva. Tem momentos em que o filme tem uma mise-en-scène cinematográfica num ponto clássico, quase um cinema clássico. Aquela sequência da fogueira onde tem plano, contra plano, conversa, jogo de olhar, aquilo foi super trabalhado, nada ali é por acaso. Mas depois se for ver a sequência da festa, aquilo lá foi a gente se adaptando à realidade que tava ali na nossa frente. A gente vai conseguir transformar aquela realidade em material fílmico né? Como transformar aquilo em algo que jogue a favor da nossa narrativa? Porque a gente não ia produzir uma festa. A gente jamais pediria pra que eles fingissem que estão chorando ou cantando nessa festa.

Foram duas Festas de Fim de Luto que aconteceram durante estes nove meses que a gente filmou. Elas aconteceram em épocas totalmente diferentes do ano e isto no cerrado faz uma diferença brutal na iluminação. Na seca é uma coisa e na chuva é outra. Então aí também entra o cinema né, o cinema que vai dar conta de fazer aquelas duas festas parecerem a mesma. Que sequer era do pai do Ihjãc.

Então este registro vai se adaptando às necessidades e às possibilidades do filme. A gente não tentava ir contra a maré, a gente tentava ver como era o fluxo das coisas e ele (filme) tenta acompanhar esse fluxo. Por isto que a gente demorou tanto tempo pra filmar. O Ihjãc mesmo, muitas dos dias ele tinha coisa para fazer. Tinha que ir na roça, tinha que pegar palha e o filme vinha sempre depois. O filme não era prioridade, nem do Ihjãc, nem da aldeia, de nenhuma das personagens, talvez nem era nosso (risos)

JOÃO: alguns dias era mas muitas vezes não. Tinha tanta coisa rolando ali né?

Sobre a complexa categoria “cinema indígena”

JOÃO: sobre essa questão do “cinema indígena”. A gente conversou sobre isso, mas a gente não consegue muito bem localizar o filme…

RENÉE: A ideia de “cinema indígena” eu acho meio complexa. Eu não sei se meu filme pode ser considerado um cinema indígena. Eu acho que não. Eu acho que o cinema Indígena tem que trazer outras formas de fazer cinema e não a mesma. Nosso filme quebra com várias ideias do cinema clássico. Mas eu estudei cinema em escola tradicional ocidental e eu não consigo sair muito disso. Então eu acho que o cinema indígena, talvez, deveria um pouco romper com esta forma de olhar e trazer outras. Como já tem. Eu tenho visto alguns filmes que não tem essas referências e esta forma de olhar para o mundo e pras coisas que a gente tem.

JOÃO: a própria construção da narrativa do nosso filme mesmo que tenha algumas bifurcações — como aquela cavalgada de um minuto — mesmo assim é ancorado numa tradição narrativa clássica, greco latina. A gente não descoloniza o olhar por decreto, é impossível. Por mais que a gente tente combater estes automatismos intelectuais e emocionais, não sai assim de uma hora pra outra. Agora, é muito interessante esta produção indígena que está vindo aí, realmente feita por indígenas, sobre temáticas indígenas Neles você raramente encontra uma construção narrativa como essa.

Sobre traduzir o inacessível

JOÃO: Talvez a gente esteja nesse lugar de pensar como a gente consegue traduzir com imagens um universo que nos é totalmente inacessível. O universo dos espíritos a gente consegue entender num plano conceptual e consegue imaginar algumas coisas a partir dos relatos deles e você dá alguma forma. A gente pensa no cinema como uma ferramenta para tentar fazer essa tradução que a antropologia tenta por outro caminho. Mas as vezes acho que é perigoso cair numa espécie de ilustração que se sobreponha ao imaginário Outro, o imaginário de onde essas histórias existem.

A gente pensa muito no nosso filme. Tem um risco de cair na ilustração, na romantização. É um terreno cheio de riscos e possíveis contradições. A gente fica muito feliz de ver a sequência do início do filme e o Ropoxet também fala: é desse jeito mesmo, a gente encontra o Mekarõ é assim mesmo”. Então a gente pensou em como filmar essa sequência de uma forma mais ou menos naturalista. Que ela é. O menino chega, fala pra água. Não vê o pai, a gente não sabe se é a câmera que não vê o espírito né? A nossa câmera não é pajé. Então a gente não vê o espírito. Talvez o Ijhãc tá vendo ou talvez não tá, mas a câmera não vê.

Mas a gente tentou filmar esse relato de uma forma mais ou menos naturalista, apesar daquela luz. Porque a forma como ele nos contou desses encontros, o relato não é diferente de “eu tava andando no mato e encontrei o vizinho caçando” ou “eu tava andando no mato e encontrei o espírito do meu pai. Não é muito diferente da forma como eles contam porque de fato o mundo espiritual e o mundo material estão ali diluídos. Na Europa muitas vezes nos perguntam: “essa sequência mais fantástica ou mais onírica” e a gente fala “não, não tem nada de onírico” até porque o Krahô não faz essa divisão. Não tem subconsciente pro Krahô.

RENÉE: Se aquela sequência talvez fosse filmada com uma luz mais naturalista, ninguém falaria isso. Na verdade isso vem de uma incapacidade nossa de filmar naquelas condições, no meio do mato, para a equipe era impossível, então foi meio que uma solução que o filme encontrou.

Elenco e realizadores do filme “Chuva É Cantoria na Aldeia dos Mortos”

Sobre o equilíbrio entre narrativa de sensibilidade subjetiva e comentário político

RENÉE: a nossa grande preocupação, nem era uma preocupação, era uma vontade com esse filme era tentar filmar esta subjetividade desse menino Krahô, que são muitos meninos Krahô que a gente convivia durante tanto tempo e a nossa grande vontade era dar conta disso.

JOÃO: e é esse menino, não é um adolescente genérico

RENÉE: e esse menino, essa história, que queria contar. Porque é claro, a gente também pensa que nessas outras narrativas é como se o índio não existisse antes do branco. Ele só existe a partir do momento em que tem um branco querendo roubar a terra dele ou olhando para ele e falando: “olha só que bonito, que exótico, olha essa festa que ele faz, olha como ele se veste, olha essa pintura corporal do índio”. E na nossa cabeça esse filme não queria dar conta disso. A gente queria contar a história de Ijhãc, desse Krahô que é adolescente hoje num Brasil tão hostil à existência dele.

É claro que é impossível você falar de um índio hoje e não esbarrar nessas outras questões. É claro que construímos ideias, e muitas coisas dali estão porque escolhemos que estivessem, como aquela parada do agronegócio ali no meio da cidade, é claro que eu escolhi botar aquele plano ali, eu achei necessário e eu escolhi botar o hino nacional também naquela sequência. Mas esse nunca era o foco do filme, e também mesmo que não escolhêssemos fazer isso, essas coisas estão sutilmente na cidade. Essa agressividade ela existe, tá ali o tempo todo. Talvez se eu não tivesse pontuado algumas dessas coisas essa ideia ia passar um pouco mais despercebido. Mas isso existe, isso tá lá.

Sobre Kôtô e a possibilidade de um filme sobre as mulheres indígenas

JOÃO: a Kotô cresceu muito durante a filmagem.

RENÉE: a Kotô na verdade, é uma menina muito tímida. Pra ela falar pra gente, demorou muito. As mulheres Krahô, são muito tímidas, é muito difícil você aceder ao universo feminino e eu acho que isso é uma especificidade de vários povos, não é só o Krahô.

Eu sempre tinha essa vontade de ter uma protagonista feminina. Porque é realmente um universo, mas é um universo quase secreto. Ainda mais para quem não fala a língua. Mas conforme a gente foi filmando a Kotô ela foi se mostrando e as vezes ela continuava tímida e fechada mas ela entendia perfeitamente a nossa proposta para as cenas e ela conseguia inclusive contribuir com as ideias dela para o desenrolar das sequências. Durante o processo ela foi ganhando cada vez mais força e agora eu olho para o filme e a Kotô, para mim, tem uma coisa muito especial.

Tenho muita, muita vontade de trabalhar com as mulheres inclusive quando eu comecei a fazer as oficinas umas das condições era que fosse metade metade as turmas, metade meninos e metade meninas. E quando comecei essa molecada tinha 13, 14 anos, só que com o passar do tempo elas vão engravidando porque lá o pessoal engravida muito cedo, então elas viram mães e acabam ficando naquela rotina da maternidade.

Tem uma coisa ali do universo feminino que é essa realidade de que elas são mães cedo né, então fica mais difícil dar continuidade aos trabalhos. Mas sim, tenho muita vontade de conseguir levar a cabo um projeto só de meninas. A gente continua trabalhando na aldeia, continua pensando em coisas para fazer com eles.

JOÃO: Sobre a cena delas na água, ela reflete muito do que a Renée disse, da Kotô ser bem tímida. No começo quando a gente decidiu filmar com Ihjãc a gente tinha esta ideia desta macroestrutura do filme mais ou menos inspirada neste outro menino que passou por um processo semelhante, fugiu para a cidade durante um ano e acabou voltando. A gente tinha mais ou menos estas âncoras para poder ir filmando e tentar introduzir outras coisas no processo.

Quando começamos a filmar com Kotô, eu acho que uma das primeiras cenas que nós filmamos, a gente filmou mais ou menos de uma forma cronológica é a cena do Ihjãc contando para Kotô que tá virando pagé. Aquela cena dos dois deitados na casa que eu acho que é uma cena super bonita, de uma intimidade total. Mas a gente pensou que ela continuava sendo essa figura da mulher que apoia o homem, escuta o problema do homem. E que a Kotô não pode ser só isso no filme.

RENÉE: E ela não é. Ela é o oposto. Ela é quase mais um problema para ele. Acho que ela é a força do Ihjãc. Ela é aquilo que faz ele pra frente.

JOÃO: Mas essa cena da água é muito interessante porque a gente propôs ela escolheu pessoas com quem ela queria filmar. Claro que a gente ia ter também a proposta de ficção. Na água que tem todo o lado lúdico e tem as crianças brincando, tem uma coisa cotidiana aqui muito mais interessante do que aquele clichê do cinema do que duas pessoas em cima de um prédio olhando a cidade e conversando contemplativamente sobre seus problemas existenciais. Ali não, ali há um fluxo, tão banhando, tão brincando e tão conversando e tem gente ali perto.

Sobre a língua Krahô

JOÃO: o que a gente saca hoje da língua Krahô nos permite entender dos temas das conversas. A gente consegue ter falas muito simples como “vem cá”, “vamos comer”, “cadê você?”. Mas a gente não consegue ter uma conversa. Mas tinha uma coisa assim nossa, de entender uma verdade da cena quase como se a língua fosse gesto também que vem de ter uma intimidade com eles.

RENÉE: não importa saber exatamente o que elas estão falando porquea essência da cena tá em outros lugares que tem muito a ver com a própria forma deles de se expressar. Os Krahô se expressam de outras formas que não é só o verbal.

Essa relação de poder que é estabelecida quando você aponta a câmara para alguém, quando você não entende o que a pessoa está falando ela é quebrada então a gente também fica numa posição um tanto frágil no momento em que a gente não entendia exatamente o que eles diziam. A gente também tinha que confiar neles.

É quase como se eles dirigissem a gente. Era uma coisa de ida e vinda porque a gente também tinha que confiar demais neles, eles confiavam na gente mas nós tínhamos que confiar muito neles.

E foi muito bonito também que por conta disso, este ato de dirigir o filme, que geralmente é um ato de um querer um diretor,ele é o grande senhor do filme. A vontade dele é tem que ser é. Isso daí foi totalmente de outras formas também, dessa diretamente, em relação ao material fílmico, mas assim do que a gente conseguiu captar a gente não tinha o controle de tudo a começar pela fala deles , isso foi muito bom, eu acho que foi muito bom.

JOÃO: fazê-los donos da sua própria fala mesmo que a gente não os entenda.

Sobre os diálogos

JOÃO: Não queríamos que fosse um processo de entrevista que tem esta espécie de ping pong dialético que é: “eu quero que você fale sobre isso e você responde”. “Onde você mora? Quem é sua esposa?”. E você pergunta até chegar nas respostas. Então a entrevista é um dispositivo, é claro, tem coisas incríveis mas existe um jogo de poder e para nós era mais interessante que a gente sugerisse temas.

Essa fala do Ropoxêt na cena da fogueira quando ele fala sobre a ambiguidade do pajé, o plano dele, que é um monólogo de dois minutos falando sobre o pajé, este plano não existia na montagem. A gente terminou a sequência no Ihjãc. Quando a gente finalmente fez a tradução, meu pai assistiu e disse “eu não entendo qual é o problema desse menino em virar pajé. Pajé “é uma figura incrível, pajé é um velho sábio que usa cachimbo, é uma coisa maravilhosa…”

RENÉE: isso é uma idealização nossa. O pajé é uma figura super ambígua, problemática. Tem gente que odeia, tem gente que atravessa a rua quando vê um pajé.

JOÃO: mas é também esta coisa, como que a gente pensa um procedimento de cinema para introduzir uma coisa que é didática entre nós. A gente está fazendo uma tradução…

RENÉE: queremos que se entenda.

JOÃO: queremos tornar as coisas mais ambivalentes possíveis, então tomara que nosso filme não contribua para reproduzir este estereotipo do pajé que é uma figura iluminada, é muito mais interessante mais complexificado assim.

JOÃO: Quando filmamos Ropoxêt falando sobre o pajé o procedimento cinematográfico era: “Ropoxêt você tá aqui, tem o Ihjãc, tem Kotô, tem figuras mais jovens, fala para eles, eles sabem a figura do pajé, mas fala para eles sobre isso e não pra nós”.

Sobre a cosmologia e o encontro entre ficção e documentário

JOÃO: O mito para eles não é, é a história do antigo mas não é uma mentira. Não é uma lenda, o mito é realmente o sol, a lua…

RENÉE: É como ele falou ontem…hoje o bicho não fala mas…de começo todo o bicho falava…

RENÉE: isso daí…passado…ele reconhece como passado, não reconhece como um tempo mítico

JOÃO: Ele sabe que foi há muito tempo.. mas existiu…

RENÉE: talvez o tataravô dele pegou esse momento e não é um outro tempo, é um tempo anterior,

KIMA: ou nem tanto, né? A arara fala com ele no filme.

JOÃO: Exato, a arara fala.

KIMA: acho que isso é interessante, vocês colocam tudo no mesmo nível. Todos os acontecimentos, ces aterram eles.

RENÉE: era uma coisa muito importante para a gente que esse mundo fosse contíguo. Ele não é outro, é o mesmo, o mesmo plano.

JOÃO: isso se vê na aldeia todo tempo.

RENÉE: Sonho não é só sonho. Seu Karõ sai do corpo e faz tudo aquilo.

KIMA: Karõ é o que exatamente?

JOÃO: Karõ é o espírito, um duplo que tá por aí. Quando você tá doente, é também o espírito que saiu do seu corpo e o trabalho do pajé é trazer ele de volta. As vezes ele consegue, outras vezes não dá conta. O pajé vai realmente no mato, conversa com o espírito, volta para a aldeia, conta como foi este encontro. Eles contam histórias de porrada, que bateu, que puxou o braço e falou que não ia voltar…

RENÉE: eles apanham, é perigosíssimo!

JOÃO: e o Mekarõ é o seu duplo, a sua sombra. a imagem numa foto é o Karõ, o reflexo na água é o Karõ… O espírito é o Karõ. É um duplo, um espectro. Esta palavra é tão complexa que a gente decidiu não traduzir para o filme.

RENÉE: mas essa palavra não é só o espírito, ela é o desdobramento. A palavra no decorrer do filme vai ganhando sentido.

RENÉE: é tão difícil traduzir um conceito que é tão amplo, quer dizer, não era interessante traduzir, só perdia, reduzindo isso a palavra escrita.

JOÃO: a palavra foi uma decisão super difícil de “será que a gente assume que é o espírito e pelo menos a gente dá conta de um dos sentidos da palavra?” ou a gente corre o risco de ela não ser absolutamente nada?

RENÉE: mas eu nunca achei isso…

*(Entrevista editada pelo jornalista Felipe Bueno).

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A temática da 22ª Mostra de Cinema de Tiradentes, “Corpos Adiante”, abriu espaço para sujeitos invisibilizados na sociedade

Por Helen Oliveira*

O Jornal Contramão desembarcou na cidade de Tiradentes, em Minas Gerais, para a 22ª Mostra de Cinema de Tiradentes, realizada na última semana, entre os dias 18 e 26 de janeiro. Ao todo, foram exibidos 108 filmes brasileiros, em pré-estreias mundiais e nacionais, de 41 estados, em sessões que movimentaram a cidade histórica por nove dias.

Durante o evento, que abre o calendário nacional de festivais dedicados à sétima arte no país, Tiradentes recebeu, com hospitalidade ímpar, em suas ruas charmosas, e cinemas montados na praça e tendas, cinéfilos e turistas de todo o Brasil. A programação contemplou não apenas a exibição de filmes que ganharam destaque no último ano, mas, também, inúmeras atividades como debates, seminários e oficinas.

A programação da mostra de cinema de Tiradentes contou com inúmeras atividades como debates, seminários e oficinas, além da exibição de vários filmes. Foto: Helen OIiveira.

O festival ampliou sua programação com exposições, teatros, cortejos de rua, lançamentos de livros e debates acerca da temática da mostra. Críticos, jornalistas, pesquisadores e profissionais do audiovisual tiveram a oportunidade de, junto ao público, refletir e discutir questões a respeito das novas produções cinematográficas e atual momento da cultura no país.

Cinema sob novos olhares

A Mostra de Cinema Tiradentes, desde o princípio, se destaca de outros festivais por jogar luz sobre temas pouco visíveis, que estão à margem de discussões, além de apresentar ao público, através de um cuidadoso trabalho curatorial, filmes com novas linguagens e abordagens.

Nesta edição, o evento, através da temática “Corpos Adiante”, destacou a importância da construção de novas perspectivas e narrativas por sujeitos invisibilizados na sociedade brasileira, reforçando discussões sociais e questões atuais dentro do universo cinematográfico.

“Corpos Adiante” tem personalidade própria, renova o cinema contemporâneo brasileiro, trabalhando de forma lírica e fictícia as temáticas abordadas com caráter de resistência política, trazendo à tona esses novos sujeitos no cinema. Mulheres e homens negros, LGBTQs, moradores das periferias, excluídos pelos padrões da sociedade, oprimidos e invisibilizados.

De acordo com a diretora da Universo Produção e coordenadora da mostra, Raquel Hallak, “Corpos Adiante” é uma situação retrato da produção hoje, a inclusão social tomando seu lugar de direito no cinema. “A diversidade que dá voz e vez ao personagem, incorporando corpo político, se posicionando e mostrando o que esses corpos estão dizendo. A temática é um conjunto de todas as vozes falando que elas existem na sociedade”, comenta.

Homenagem e coroação do cinema

O troféu Barroco dessa edição agraciou Grace Passô, atriz, dramaturga e diretora mineira. Mulher negra e brasileira, ela se destacou mundialmente, rompendo barreiras, inovando o cinema nacional. Conhecida pela sua força e talento para a arte, Grace é uma profissional consagrada no teatro e em ascensão no cinema. A abertura do festival foi referenciada com a exibição do filme “Vaga-Carne”, peça que foi adaptada para a sétima arte, de direção de Grace Passô e Ricardo Alves Júnior.

A força dos novos realizadores

Novos realizadores do cinema, equipe do filme “Arteiro” comemora o reconhecimento na mostra de cinema de Tiradentes. Foto: Helen Oliveira.

A 22ª edição da Mostra de Cinema de Tiradentes vem reconhecendo os novos talentos do setor em Minas Gerais e Brasil afora. O trabalho realizado pelo Centro Universitário Una, por meio do corpo docente e alunos do curso de cinema, vem sendo reconhecido pela curadoria. Neste ano, três produções da instituição de ensino foram selecionados e exibidos na mostra. Os filmes foram produzidos a partir de uma proposta dentro da sala de aula e ganharam visibilidade.

Para Bruno Carvalho, diretor do filme “Arteiro”, exibido na Sessão Jovem da mostra, o festival é muito importante para realizadores de cinema que ainda estão na faculdade. “É uma validação do trabalho, um carimbo, Tiradentes é o lugar de lançar tendências no cinema, colocar em evidência as novas narrativas contemporâneas, expor meu trabalho dessa forma me faz entender que fiz uma boa escolha”, reconhece.

Além de “Arteiro”, de Bruno Carvalho, outras produções de alunos do Centro Universitário Una foram selecionadas para a 22ª Mostra de Cinema de Tiradentes, como é o caso de “Salve Todos”, de Isabela Renault e “Peixe”, de Yasmin Guimarães.

Premiações

A 22ª Mostra de Cinema de Tiradentes exibiu mais de 100 filmes a partir da temática “Corpos Adiante”. O cinema goiano foi consagrado no Festival, com “Parque Oeste”, de Fabiana Assis, como melhor documentário do ano e “Vermelha”, como melhor filme da mostra Aurora pelo júri da crítica. Na categoria júri popular, o vencedor foi o curta-metragem paulista “Negrum3”, de Diego Paulino, esse mesmo filme também recebeu o prêmio Canal Brasil de Curtas.

Pelo trabalho realizado em “um filme de verão”, Cristina Amaral conquistou o prêmio Helena Ignez, que reconhece a participação feminina no cinema. Na mostra Foco, o júri da crítica escolheu “Caetana”, dirigido pelo paraibano Caio Bernardo, e como melhor longa-metragem, o júri popular escolheu “Meu Nome é Daniel” do carioca Daniel Gonçalves.

Confira os premiados da 22ª Mostra de Cinema de Tiradentes:

° Melhor longa-metragem Júri Popular: Meu Nome é Daniel (RJ), de Daniel Gonçalves.

Troféu Barroco;

° Melhor curta-metragem Júri Popular: Negrum3 (SP), de Diego Paulino.

Troféu Barroco;

°Melhor curta-metragem pelo Júri da Crítica, Mostra Foco: Caetana (PB), de Caio Bernardo.

Troféu Barroco;

° Melhor longa-metragem pelo Júri Jovem, da Mostra Olhos Livres, Prêmio Carlos Reichenbach: Parque Oeste (GO), de Fabiana Assis.

Troféu Barroco;

°Melhor longa-metragem da Mostra Aurora, pelo Júri da Crítica: Vermelha (GO), de Getúlio Ribeiro.

Troféu Barroco;

Da Dotcine: máster DCP para longa de até 120 minutos

° Prêmio Helena Ignez para destaque feminino: Cristina Amaral, montadora de Um Filme de Verão (RJ).

° Prêmio Canal Brasil de Curtas: Negrum3 (SP), de Diego Paulino.

*(A estagiária escreveu a reportagem sob orientação do jornalista Felipe Bueno) 

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Obra do artista cubano Gustavo Pérez Monzón.

Uma explanação livre a partir da exposição “Construções Sensíveis” e de depoimentos colhidos nela; percurso em texto e vídeo:

Texto por Petros Farias*
Vídeo por Guilherme Jardim*
(Alunos do curso de Cinema e Audiovisual do Centro Universitário Una)

*(Texto editado pelo jornalista Felipe Bueno).

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Peça da coleção do aluno de moda da Una, Carlos Henrique Santos, evoca a diversidade. Foto: Divulgação.

Em evento que serve de vitrine, alunos do curso de moda da Una, que recebeu nota 5 do MEC, apresentarão as tendências do verão de 2019/2020 para o público e imprensa

Por Moisés Martins*

Coleção da aluna de moda da Una, Fernanda Maia, tem como inspiração a arquitetura e o ferro. Foto: Divulgação.

Inovação

Coleção de Carlos Henrique Santos foi inspirada no Museu Muquifu. Foto: Divulgação.

Prêmio da Moda Mineira

A 11ª edição do Prêmio Moda Mineira, em comemoração ao conceito 5 do MEC, será especial e somente anunciada no dia do evento. O prêmio ocorre semestralmente em cada edição do UNA Trendsetters e reconhece os profissionais do mercado mineiro que contribuem ou contribuíram de forma efetiva para o desenvolvimento da moda em Minas Gerais. E neste ano, a grande novidade é que os professores serão laureados com a premiação no dia do evento.

*(O estagiário escreveu a reportagem sob a supervisão do jornalista Felipe Bueno).