Por Lucas Henrique – Start – Parceiros Contramão Hub
O filme da Batgirl pode ter perdido Joss Whedon, mas o projeto ainda está avançando com um novo escritor.
De acordo com o The Hollywood Reporter, a Warner Bros. contratou Christina Hodson para escrever o roteiro do filme, que se diz baseado na estréia de The Million Dollar Debut of Batgirl!arco de história da DC Comics no momento em que Whedon ainda estava a bordo. Whedon foi originalmente definido para escrever, dirigir e produzir o projeto, mas saiu depois de uma tentativa fracassada de decifrar a história.
Por enquanto, a DCse concentra em dois projetos com data marcada: Aquaman (20 de dezembro de 2018) e Shazam! (05 de abril de 2019).
Filmes de espionagem tem vida longa desde meados da Guerra Fria, com sua linha cinematográfica bem definida por violência, muita ação, jogos de intrigas e bastante sedução. A um clichê com tramas internacionais com armas e países que podem destruir a paz mundial, o pano de fundo sempre é um interesse maior por parte de um país “dito neutro”, para desvendar esses interesses. Em Operação Red Sparrow, temos uma história que usa um fundo histórico verídico para contar mais uma história manjada de espionagem. Jeniffer Lawrence protagoniza essa obra que tinha tudo para ser grandiosa, mas tem um roteiro que escorrega feio. Lawrence volta a trabalhar com Francis Lawrence (diretor dos três últimos filmes da franquia Jogos Vorazes), a missão dada a Jeniffer Lawrence é bem árdua com um roteiro com a famigerada história de americanos contra russos, que tem mais um filme esquecível.
Outrora talentosa bailarina, Dominika Egorova (Jennifer Lawrence) encontra-se em maus bocados quando é convencida a se tornar uma Sparrow, ou seja, uma sedutora treinada na melhor escola de espionagem russa. Após passar pelo árduo processo de aprendizagem, ela se torna a mais talentosa espiã do país e precisa lidar com o agente da CIA Nathaniel Nash (Joel Edgerton). Os dois, no entanto, acabam desenvolvendo uma paixão proibida que ameaça não só suas vidas, mas também as de outras pessoas.
O filme é baseado em uma adaptação literária do ex-agente da CIA Jason Matthews, que foca mais em um lado sensual da espionagem, com um tom bem misógino e com temas bastantes pesados como violência e cenas de estupro. A muita exposição de nudez e um filme que vai realmente mostrar como é aquela agência Red Sparrow, uma agência de belas mulheres que conseguem qualquer informação pela sensualidade. O longa começa a desandar justamente quando a melhor agente (teoricamente), se apaixona por um agente americano, rapidamente a construção da personagem de Lawrence vai por água abaixo. Filmes como Atômica (2017) e Salt (2010) se baseiam em um ar mais 007, com sedução como robe e uma ação frenética ao mesmo tempo que consagra sua protagonista como uma personagem forte. Apesar de Lawrence segurar em alto-nível as pontas, Operação Red Sparrow beira a monotonia, longo demais e nada para surpreender.
A direção é do Francis Lawrence, que desenvolve uma narrativa que é ousada, no sentido de saber que seu filme irá causar vários desconfortos ao espectador. Já no começo temos uma cena de ação com nudez, que é bem pesada, sendo o cartão de visita do que estar por vir, com várias cenas de nudez frontal masculina e muita exposição do corpo da protagonista. O jogo de câmeras é bem elegante, bem no prologo tem uma luz forte com um tom avermelhado destacando sua protagonista. A cinematografia é belíssima e com um tom cru, reagindo ao humor da personagem de Lawrence, quando está deprimida usa roupas pretas e quando está alegre e charmosa usando roupas vermelhas. O designer de produção atua de maneira magistral, principalmente a maquiagem que reproduz bem todos os hematomas oriundos das cenas que o causaram. As sequências de ações não são tão empolgantes e o trabalho da trilha sonora é bem abaixo!
O roteiro assinado por Justin Hayth traz a clássica história dos americanos contra os russos, soa mais como uma propaganda anti-governo russo, mas a narrativa é longa demais e recebe todos os clichês de filmes de espionagem. Tais mecanismos de roteiro tornam a história dilatada, um certo desenvolvimento que em muito beira a preguiça, se arrastando por 140 minutos. O que se espera de um filme de espionagens são aqueles twists, que neste filme até tem, mas você vai prever todos, exceto a personagem principal, que está a um passo à frente de todo mundo. Apesar de conduzir algumas cenas de tortura sádica, aquelas cenas tensas e pesadas, bem angustiantes, o filme dá um drible ao entregar uma relação amorosa proibida que não é bem desenvolvida. Algumas reviravoltas podem até impressionar, mas o roteiro fica confuso sem saber onde levar seus personagens, que ao final, começa a ganhar uma grande quantidade de furos.
O elenco tem bons nomes, alguns nomes de peso, a começar pela protagonista que segura o filme. A Jennifer Lawrence vale todo ingresso do filme, ela convence como espiã, sensual, com uma atuação bem minimalista. A protagonista parece estar confortável o bastante para entregar uma atuação convincente e atrativa, fica óbvio que Lawrence pode interpretar qualquer papel que ela quiser. O único problema é o sotaque russo-americano que é totalmente desnecessário e incomodo em boa parte. O elenco de apoio é totalmente descartável e com nomes de peso como Charlotte Rampling, Jeremy Irons e Joel Edgerton. O grande problema do elenco de apoio, é a falta de tempo de tela, atuações bem apagadas e esquecíveis.
Em resumo, Operação Red Sparrow é um filme sobre espiões que literalmente se prostituem em nome de sua Pátria. Com uma protagonista que segura o filme, sendo melhor atrativo, com um roteiro que derrapa e não sabe a onde levar seus personagens. O filme não se decide o que quer ser, embora seja interessante e atrativo visualmente, o sentimento que fica é, que sua falta de ação poderia tornar o longa muito mais empolgante e com um resultado bem mais satisfatório.
Três anúncios de um crime e o senso dúbio do que é justo
Conquistando êxito nas temporadas de premiações, chegou aos cinemas no último dia 15, o longa “Três anúncios para um crime” que acompanha a história de uma mãe em busca de justiça para o assassinato sem solução de sua filha.
Mildred Hayes é uma mulher que carrega a raiva em seu olhar e meses após o assassinato da sua filha, ela aluga três outdoors em uma estrada de pouco acesso com os dizeres “Estuprada enquanto morria e até agora nenhuma prisão, como é que pode xerife Willoughby?”. A atitude da protagonista gera um efeito dominó na pacata de cidade de Ebbing, Missouri e o filme se desenrola a partir daí, da ação que gera diversas reações e pessoas com opiniões distintas, o filme o tempo todo é moldado pela sensação de injustiça e o senso de justiça que o último seja interpretado de maneiras diferentes pelos personagens. No quesito empatia, os negros, o anão, os pobres, as pessoas geralmente a margem na sociedade e menos privilegiadas estão dos lados de Midred, os policiais, os ricos da cidade estão do lado do Xerife, mais ou menos como o mundo real funciona.
A protagonista é uma mulher fria, desamparada, desiludida pela vida e pela justiça que luta a qualquer custo solucionar o crime que tirou a vida de sua filha. Por mais antipática que Mildred seja, por mais decisões equivocadas que a personagem venha a tomar é impossível não sentir empatia por seus objetivos e torcer para o sucesso de sua saga. Em contraponto a protagonista temos os policiais do distrito, o xerife exposto no cartaz e seu fiel aliado, o ignorante policial Dixon (Sam Rockwell).
Não é um filme bonito é real, é duro, é triste. Você se indigna, sente raiva, angustia, medo, você fica surpreso. É uma transição de sentimentos a todo minuto, uma ação que gera uma reação que vamos de odiar um personagem até ter certa empatia. Mérito claro do time de atores, Frances entrega uma mulher que foge dos clichês de mães sofredoras da cinematurgia, geralmente bondosas, abnegadas, seres de luz. Mildred não é nada disso, não era a mãe do ano nem age diferente com o seu outro filho depois do assassinato que abalou a família, ela não performa nenhuma feminilidade nem muda sua essência acreditando que o perdão salva, ela quer justiça e busca por isso doa a quem doer. Grande favorita ao Oscar, a atriz vem ganhando todos os prêmios de melhor atriz da temporada.
Sam Rockwell pode ser conhecido por papéis com veias mais cômicas como é o caso de seu personagem em “As panteras” está extraordinário, se eu o visse na rua provavelmente teria vontade de socar a cara dele porque Dixon é odioso. Esse tipo de reação só é conquistado perante uma atuação digna. O ator conhecido por comédias é simplesmente muito bom e brilha sem dúvida nenhuma como o melhor personagem de sua carreira. É o personagem com maior evolução ao longo do filme e apesar de atitudes completamente esdruxulamente após um acontecimento traumático e receber um sinal dos céus embarca em uma jornada para se tornar uma pessoa minimamente decente. É a maior aposta para ganhar a estatueta de melhor ator coadjuvante e merece vencer.
Como Rockwell, Woody Harrelson, o xerife Bill Willoughby, também concorre como melhor ator coadjuvante, por um papel que exige um pouco menos, mas o tempo em que aparece em cena convence. O personagem é um homem decente, não provém de uma bondade acima da média, não perde a vida em busca de resolver o assassinato como se fosse um problema seu, mas ao mesmo tempo o xerife se sensibiliza com o caso, faz sua parte, tenta achar o culpado, sem deixar sua vida parar por isso. Em certa parte do filme o personagem tem um monólogo com grande carga dramática, que acredito ter sido o motivo de sua indicação como melhor ator coadjuvante do personagem é carregada de emoção e interfere de maneira direta na vida de outros personagens e no desfecho do filme.
O filme tem feito sucesso ao redor do mundo e inspirado pessoas a reproduzirem a ideia principal de alugarem três outdoors vermelhos com letras pretas cobrando atitudes de autoridades locais. O filme também não passa batido pela justa problematização. O personagem Dixon é um homem racista, que tem histórico de torturar negros e ser homofóbico. O personagem em uma passagem de total abuso de autoridade joga uma pessoa da janela e destrói um estabelecimento e nada sai basicamente impune. O personagem encontra alguma redenção ao longo do filme com boas ações mas mostra que se você for um homem branco medíocre e de preferência policial, consegue sair impune de qualquer coisa. As piadas racistas dos personagens que o filme aparentemente coloca em forma de crítica só é risível para pessoas brancas, assim como situações que os personagens de Corra passam, outro filme indicado a melhor filme no Oscar desse ano.
O resto do elenco mesmo com participações mais tímidas fazem bom trabalho, alguns como o Lucas Hedges e Peter Dinklage mereciam mais destaque pois são atores mais que competentes, brilhariam mais se tivessem mais espaço. A trilha sonora lembra os filmes interioranos e independentes e as cores presentes advém de uma paleta em tons neutros, maquiagem não faz parte da caracterização. O longa ao total disputa no próximo dia 4, o prêmio de melhor filme, melhor roteiro original, melhor atriz, ator coadjuvante, melhor trilha sonora e melhor montagem.
Marco cultural dos filmes de super-heróis, Pantera Negra é emocionante, com cores deslumbrantes e sai do básico entregando linda mensagem!
Pantera Negra por si só, já é um marco cultural, tratasse do primeiro herói negro das histórias em quadrinhos. A estreia do herói é como coadjuvante em 1963, na (52.º) edição da revista da primeira família da Marvel, O Quarteto Fantástico. Soberano de um reino africano tecnologicamente chamada Wakanda e futuramente se tornando membro dos Vingadores. A Marvel desde seus primórdios já entendia sobre a necessidade de expressar sua diversidade cultural, mais que isso, sempre passando a necessidade sócia cultural de sua época.Pantera Negra veio para representar os movimentos que seguiam em sua época, nada mais justo que esta nova fase do Universo Cinematográfico Marvel desse a largada para esta representatividade. O filme é o mais diferente até agora do MCU, mas não nega suas raízes, mesmo não seguindo totalmente a fórmula, que em seu amago ainda tem muito dessa estrutura de um filme de ação. O que torna o filme do rei de Wakanda único é, a forte mensagem que o filme se preocupa em passar e por ter personagens extremamente carismáticos.
“Pantera Negra” acompanha T’Challa que, após os eventos de “Capitão América: Guerra Civil”, volta para casa para a isolada e tecnologicamente desenvolvida nação africana de Wakanda, para assumir seu lugar como Rei. Entretanto, quando um velho inimigo reaparece no radar, a fibra de T’Challa como Rei e Pantera Negra é testada quando ele é levado a um conflito que coloca o destino de Wakanda e do mundo todo em risco.
O 18.º filme do Marvel Studios novamente seria uma história de origem, mas como fazer uma história de origem sem seguir a receita de bolo usada em Homem de Ferro, Homem-Formiga e Doutor Estranho. A empresa das Maravilhas decidiu sair fora da caixinha começando a entregar gêneros diferentes, mesmo que em sua essência exista sua fórmula. Não é justo salientar que todos os seus filmes seguem a mesma premissa, temos um filme semelhante a franquia Bourne (Capitão America — Soldado Invernal), uma comédia espacial com Guardiões da Galáxia, mas para satisfação geral da nação, Pantera Negra navega em direção a novas terras. Deixando bem claro que o filme também contém a essência da fórmula, é um filme de ação, de efeitos especiais abundantes, mas ao contrário de seus antecessores, Pantera Negra que ir além, entregando uma ótima mensagem, principalmente falar sobre algo mais. Podemos ver muito mais da nossa cultura atual, sobre jogo de poder, intriga política e principalmente sobre ideologia.
A direção é do Ryan Coogler, dos ótimos, Fruitvale Station: A Última Parada (2013) e Creed: Nascido para Lutar (2015). É um diretor que já se provou no circuito, com belos dramas e com lutas corporais bem coreografadas, em Pantera Negra, vemos toda essa plasticidade para suas cenas de ações e porrodaria. A ação apresentada no filme é sensacional, mesmo que em algum ponto o CGI fica evidente, somos prestigiados com belas cenas, começando pela cena do cassino, nela, Coogler utiliza de um plano-sequência magistral. O diretor mostra uma plasticidade para filmar e transitar com sua câmera sempre em linha reta, é uma direção muito segura. De cenas de ação, como da cocheira, que é a briga pelo trono de Wakanda, com um planos aberto e fechado, ambos dinâmicos, para situar a luta entre os dois guerreiros outrora mostrar a nação observando o duelo.
A criação de mundos é simplesmente maravilhosa, é digna das aventuras espaciais da Marvel e todo poderio visual visto em Thor: Ragnarok. A começar por Wakanda, a cidade tecnológica, futurísticas e de cores sensacionais, não é a mais bela do MCU, mas tem um bom lugar de destaque. A fotografia é da vencedora do Oscar e bastante premiada Rachel Morrison, é o maior acerto que o filmes poderia ter, pois, temos algumas locações com destaques aqui, onde as paletas de cores dão mais um show visual, as cores quentes de Wakanda, com seu colorido e suas planícies africanas, as fortes cores da Coreia e principalmente o dourado luxuoso do Cassino. O CGI, tem seu peso corriqueiro em filmes dessa magnitude, em muitos momentos ele pesa, mas não estraga a diversão. O figurino também tem seu lugar ao sol, o preto com o roxo do Panteraexerce um contraste maravilhoso onde ele passa, assim como o visual do povo de Wakanda, misturando o colorido de roupas tribais africanas e com adereços tecnológicos. A trilha sonora composta pelo Ludwig Goransson e consultoria do Kendrick Lamar, também é um ponto alto, com uma enxurrada de hip-hop que em algumas cenas se tornam épicas.
O roteiro também escrito por Coogler e parceria com Joe Robert Cole, merece destaque, existe profundidade e uma necessidade de entregar algo a mais do que só a famigerada ação. As “piadinhas”, que são costumeiras em filmes da Marvel, não são totalmente utilizadas e nem escambadas como vistas na última empreitada do filme do Thor, temos alivio cômico, mas o que é o interesse aqui é a trama política e o dilema vivido por esse povo. O interessante do roteiro em destacar a jornada de T’Chala para liderar seu povo, encontrando um opositor, o texto de Coogler e Cole não mostra absurdamente pontos de vista do bem e do mal, quem está certo aqui fica a critério do desenrolar da história. O rei T’Chala age impulsivamente e não escapa do julgo e nem suas ações são heroicas demais, ele erra e aprende. A história de contrapontos não poderia se sustentar sem um bom vilão, por mais, que em alguns momentos este vilão fique questionável sua qualidade a uma motivação plausível ali. O grande ponto do roteiro é realmente mostrar como os moradores de uma cidade tecnológica vivem em um certo conforto, enquanto seus vizinhos sofrem com a miséria, é um paralelo interessante com nossa sociedade atual, entre países de primeiro mundo e os chamados subdesenvolvidos.
O elenco dos sonhos é de dar inveja em qualquer produção que se prese, temos muitos talentos e nenhum coadjuvante é descartado pelo roteiro, pelo contrário a trama precisa deles para andar. Chadwick Bosemanfez sua estreia em Guerra Civil, já tivemos um vislumbre do potencial do ator, mas as dúvidas eram se o ator seguraria um filme sozinho, o resultado é, sim. Pelas suas experiências com o Barão Zemo e sua busca de vingança cega, T’Challa é um rei piedoso e convicto, mesmo isso sendo uma fraqueza. O ator tem presença e carisma como monarca, sua jornada para se tornar o rei e o herói é fantástica. Lupita Nyong’o e Danai Guriraestão incríveis, ambas com um bom tempo de tela, como guerreiras entregando cenas de ações fantásticas e dignas de aplausos. Martin Freeman não tem muito a dizer, entregando uma atuação bem regular mediante ao vasto elenco. A Letitia Wright como alivio cômico está muito bem, com um QI aproximadamente igual ao de Tony Stark, ela faz o papel do nerd que entrega todos os apetrechos a seu irmão mais velho T’Challa.
Ao falar dos vilões do filme, devemos reconhecer os devidos problemas enfrentados pela casa das ideias em estabelecer um bom vilão em seu universo cinematográfico. O grande mal da formulinha do gênero é usar vilões como escada para seus heróis, esses vilões são subdesenvolvidos e suas motivações são pífias, dignas de esquecimento total. Vilões da Marvel que conseguiram destaque são justamente da Netflix, Boca de Algodão, Fisk e Killgrave, o que ambos tem em comum é simples, tempo de tela para se desenvolverem e mostrarem ao que vieram. Isso não é visto em nenhum filme da Marvel até o momento, a missão de Pantera Negra é conseguir sair dessa escrita, mas ainda não chegou lá. Andy Serkis entrega um Ulysses Klaue bem perturbado, um terrorista impiedoso, mas entra nessa lista citada acima de vilão utilizado como escada para o herói, o personagem é um mero instrumento do roteiro. O vilão Killmonger vivido por Michael B. Jordan é interessante, possuindo várias camadas e uma trama mais densa, vive a oposição de T’Challa, o lado extremista, querendo colocar Wakanda como o centro do mundo. Sendo assim, ainda falta uma consistência maior para um bom vilão, mas B. Jordan se sai melhor que a encomenda.
“Pantera Negra” é um bom fora da curva para os filmes de heróis, até mesmo da Marvel. O filme entrega um ótimo roteiro, tanto em sua história, seus costumes e ambientação da cultura africana. Com menos piadinhas, mas com um humor bem dosado, o filme de Coogler aposta no algo a mais para criar uma trama redonda e bem elaborada. O protagonista é forte, justo e impiedoso, assim como o resto do elenco, que mesmo tendo alguns menos aproveitados, ainda é o melhor visto no MCU. Antes de militar sobre representatividade é só ver o vídeo em que crianças de uma escola é sorteada para assistir ao filme, daí, podemos entender a importância que é esse filme para história do cinema e do gênero de super-herói.
FICHA TÉCNICA
DIREÇÃO
Ryan Coogler
EQUIPE TÉCNICA
Roteiro: Joe Robert Cole, Ryan Coogler
Produção: David J. Grant, Kevin Feige
Fotografia: Rachel Morrison
Trilha Sonora: Ludwig Goransson
Estúdio: Marvel Studios, Walt Disney Pictures
Montador: Debbie Berman, Michael P. Shawver
Distribuidora: Walt Disney Pictures
ELENCO
Alexis Rhee, Andy Serkis, Angela Bassett, Atandwa Kani, Bambadjan Bamba, Chadwick Boseman, Connie Chiume, Danai Gurira, Daniel Kaluuya, David S. Lee, Elizabeth Elkins, Florence Kasumba, Forest Whitaker, Francesca Faridany, Isaach De Bankolé, John Kani, Letitia Wright, Lupita Nyong’o, Mark Ashworth, Martin Freeman, Michael B. Jordan, Nabiyah Be, Sasha Morfaw, Seth Carr, Shaunette Renée Wilson, Sope Aluko, Sterling K. Brown, Sydelle Noel, Tony Sears, Tunde Laleye, Winston Duke
Um dos favoritos do Oscar segundo a crítica especializada, Me chame pelo seu nome, é um filme poético sobre o primeiro amor de Elio, muito bem interpretado pela estrela em ascensão Timothée Chalamet, que com apenas 22 anos concorre por sua atuação e se tornou o ator mais jovem nos últimos 80 anos a concorrer na categoria. O longa é baseado no best-seller homônimo do egípcio André Aciman, lançado em 2007. A trama centrada em Elio e sua relação de amor de beira a obsessão por Oliver, o também pouco conhecido, mas igualmente competente Armie Hammer.
É um filme sobre desejo, amor, entrega. O filme tem imagens belíssimas do interior da Itália, que fazem o espectador ter vontade de comprar a primeira passagem em direção ao país europeu e viver um verão por lá. São imagens e mais imagens dos personagens em uma rotina, nadando, jogando tênis, andando de bicicleta tudo muito lindo, mas com o tempo tudo se torna muito cansativo.
O filme com mais de duas horas não chega a dar sono, mas é longo demais, poderia ser reduzido para algo como uma hora e meia e ainda teríamos uma bela história. Como toda adaptação cinematográfica de um best-seller a responsabilidade e expectativa para corresponder é alta. O filme não chega a decepcionar os fãs do livro, mas poderia ter se saído melhor.
Armie Hammer é confiante e honra bem a personalidade segura de Oliver, porém o ator é muito velho para o papel, Oliver no livro tem 24 anos, no filme a idade do personagem não é citada, mas Hammer aparenta e tem 30 anos, o que é um contraponto à Timothée Chalamet que apesar dos seus 22 anos realmente parece um adolescente de 17. Pessoalmente acredito que um ator mais jovem teria caído melhor.
O casal principal tem química e o clima de sedução e a sensualidade em torno no filme é latente. É bonito e transmite ao público a vontade de viver uma paixão como a que é vista na tela. O sexo fica muitas vezes subentendido, ao contrário do livro que contém cenas explícitas, o que de jeito nenhum chega a se tornar um defeito. Ao contrário do que têm sido dito, o casal principal não é gay e sim bissexuais, o que é algo interessante e pouco visto. No filme tanto Oliver quanto Elio se relacionam com mulheres e por livre vontade e real atração.
A família de Elio é incrível, a mistura de culturas, o ambiente, as cenas que mostram as refeições tudo é muito agradável, muito real. A direção também fez um bom trabalho na escolha da trilha, do figurino, a caracterização fiel a década de 80, as locações, a da paisagem, tudo é maravilhoso aos olhos, tudo funciona. Os personagens são muito interessantes com destaque a Michael Stuhlbarg, pai de Elio, que é um homem à frente do seu tempo, o monólogo final é um tapa na cara de todos nós sobre como viver bem a vida.
A direção é ótima e acerta mostrando os momentos em que Elio toca piano de maneira primorosa, ressaltando o talento do ator. No filme inclusive os atores realmente falam italiano, algo raro em filmes Hollywoodianos, onde não importa se é em Barcelona Ou Paris, os personagens sempre falam inglês. Chalamet aprendeu a tocar piano e o idioma italiano para dar vida ao personagem, o que certamente deve estar contando como pontos extras para o ator na corrida para conquistar a estatueta dourado no dia 4 de março.
No final das contas, Me chame pelo seu nome é mais do mesmo de um jeito diferente. É o que já foi visto antes de um jeito mais bonito, mais encantador, mais forte. Com certeza será lembrado daqui muitos anos, como referência de uma boa história de amor LGBT e eu aposto que o chamarão de clássico.
Greta Gerwig é uma atriz de respeito. Musa do cenário indie, ela é referência quando se trata de filmes alternativos com histórias tão reais que chegam a ser palpáveis. Ela fala sobre o mundo feminino de forma tão pura como apenas outra mulher seria capaz de retratar. Greta é o tipo de atriz que enquanto a assistimos parece que estamos vendo uma amiga de longa data no seu próprio reality show. Como diretora felizmente Gerwig também não decepciona em seu longa de estreia.
Com cinco indicações ao Oscar,a de melhor filme, melhor roteiro original, melhor atriz, melhor atriz coadjuvante e melhor direção (Gerwig quebra recordes sendo a quinta mulher indicada na categoria em 90 anos de premiação), o filme acompanha uma adolescente interiorana e sua complicada relação com sua família enquanto busca se encontrar e seguir seus sonhos em meio a decisões erradas e atitudes inconsequentes típicas da idade.
Christine, que se autotitula Lady Bird, é uma garota de 17 anos que odeia sua cidade natal, Sacramento, sonha em viver da arte em alguma grande metrópole e se acha diferente, portanto melhor, que outras pessoas. Saoirse Ronan que da vida a personagem, com apenas 23 anos, adquiriu uma terceira indicação ao Oscar, dessa vez como melhor atriz e com muita chance de levar a estatueta para casa. Por vezes engraçada, por vezes impetuosa, por vezes simplesmente chata, mas sempre interessante, Lady Bird têm camadas e faz com que sintamos empatia e amor pela personagem, mesmo com atitudes adversas que poderia despertar uma antipatia no telespectador, mas o carisma de Ronan faz apenas com que torçamos pela adolescente de cabelo rosa em sua jornada em busca de felicidade e amor.
Os relacionamentos amorosos de Lady Bird no filme, diferentemente do que acontece na maioria dos filmes adolescentes, são romances reais es situações absolutamente plausíveis para jovens adultos. Os atores escolhidos para interpretar seus namorados, Lucas Hedges e Timothée Chalamet, mesmo que não sejam o foco principal uma indicação ao Oscar no currículo. As pessoas provavelmente se identificarão com Lady Bird e terão uma sensação do que é ser uma adolescente descobrindo o amor, a paixão, o sexo. Os primeiros momentos em um relacionamento, a primeira vez, o término, são situações que a direção do filme mostra sem firulas, sem uma áurea cor de rosa, mostra do jeito que é. Greta foi sincera sobre tudo e essa é sem duvidas sua maior qualidade como diretora. A forma como a personagem principal lida com seus interesses amorosos e seus altos e baixos é independente, honesta e nada soa falso ou melodramático, algo corriqueiro em longa metragens do gênero.
A relação da protagonista com sua mãe é o ponto mais alto do filme, não é algo perfeito como a relação mãe e filha do aclamado seriado Gilmore Girs, é algo mais cru, mas também verdadeiro. As brigas entre as personagens e a maneira como fazem as pazes é duro, é puro, é a oposição de duas personalidades fortes que se contrastam, mas acima de tudo se complementam de um jeito muito bonito. Atenção para a cena do aeroporto, lenços serão necessários.
Lauren Metcalf, mãe de Lady Bird, está em estado de graça no filme. Demonstra a exaustão da rotina dobrada para conseguir alimentar a família, o amor e a frustração que sente pela filha ao não conseguir realizar seus sonhos e ao tentar sempre tirar a garota das nuvens, mostrando a realidade que a jovem não que enxergar. A indicação ao Oscar como melhor atriz coadjuvante é mais que merecida.
A trilha sonora carrega sucessos do ínicio dos anos 2000, uma vez que o filme se passa em 2002, então vemos Bones Thugs-N-Harmony e Justin Timberlake com seu coração partido embalando as aventuras de Lady Bird pela simpática sacramento.
O filme é sucesso absoluto e é uma concordância dos críticos e da audiência. Parte disso certamente se deve a perfeição da construção da personalidade de Lady Bird, ela é segura quase o tempo todo, ela tem certezas sobre quem é e sobre o que quer. Ela vive com intensidade e verdade ao mesmo tempo em que sente medo, reconhece quando erra, pede perdão e perdoa. Ela é humana, assim como todos os personagens do filme e sua perfeição se encontra aí, no fato de que essa estória em devidas proporções poderia ser sobre você ou sobre mim. O filme contém traços biográficos de Gerwig, e é uma carta de amor a Sacramento e uma homenagem as mães, as filhas, ao poder feminino, as relações familiares e a quem se é de verdade.
Prev